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Sandro Botticelli (1445-1510), de son vrai nom Alessandro di Mariano Filipepi, était un artiste italien du début de la Renaissance. Peintre prolifique, notamment de retables et d'œuvres à thème religieux, l'œuvre la plus célèbre de Botticelli est aujourd'hui, ironiquement, la mythologique Naissance de Vénus qui est exposée à la Galerie des Offices de sa ville natale, Florence. Largement considéré comme l'un des plus grands peintres de l'art occidental, Botticelli a mélangé la couleur, la forme et la perspective pour produire des œuvres religieuses et profanes d'une remarquable poésie visuelle. Réinterprétant et entrelaçant l'imagerie traditionnelle de la mythologie classique et de l'art chrétien, ses peintures sont souvent ouvertes à de multiples interprétations.
Ses débuts
Botticelli vit le jour à Florence en 1445 et on lui donna le nom d'Alessandro di Mariano dei Filipepi. Il est connu sous le nom de Botticelli car c'était le surnom de son frère aîné Giovanni. La première expérience professionnelle du futur artiste fut celle d'apprenti chez un orfèvre. Adolescent, Botticelli suivit ensuite une formation de peintre dans l'atelier de l'artiste florentin et ancien moine Filippo Lippi (c. 1406-1469), connu pour ses fresques et ses retables (ainsi que pour sa liaison avec une religieuse avec laquelle il eut deux enfants). Botticelli fut également influencé par le temps qu'il passa avec les artistes florentins Andrea del Verrocchio (c. 1435-1488) et les frères Antonio (c. 1432-1498) et Piero del Pollaiuolo (c. 1441 - vers 1496), qui avaient tous des ateliers où les jeunes artistes apprenaient leur métier. Botticelli était probablement dans l'atelier de Verrocchio lorsque Léonard de Vinci (1452-1519) s'y trouvait. Le résultat de ces années de formation fut que les œuvres contemporaines et ultérieures de Botticelli témoignent d'un intérêt pour les figures gracieuses et la saisie des détails ornementaux. La Fortitude de 1470 (Galerie des Offices, Florence) en est un excellent exemple.
Un artiste établi
L'artiste était populaire et mêlait œuvres publiques et commandes privées, notamment pour la puissante famille des Médicis de Florence. Pour cette dernière, Botticelli explora de nombreux thèmes issus de la mythologie romaine et grecque, comme le Printemps, aujourd'hui aux Uffizi (voir ci-dessous). Entre 1480 et 1484, Botticelli réalisa peut-être son œuvre la plus célèbre, la Naissance de Vénus (voir ci-dessous). Les œuvres religieuses ne furent cependant pas abandonnées et il attira l'admiration du pape Sixte IV (r. de 1471 à 1484) qui commanda à Botticelli la décoration d'une partie de l'intérieur de la chapelle Sixtine à Rome au début des années 1480. La chapelle bénéficia de l'attention de nombreux grands artistes, et Botticelli se vit attribuer un espace mural inférieur pour présenter des scènes de l'Ancien Testament, dont le panneau de la Vie de Moïse et une représentation remarquablement précise de l'Arc de Constantin de Rome.
Portraits
Botticelli retourna à Florence au milieu des années 1480, où il disposait d'un vaste atelier produisant toutes sortes d'œuvres. Les peintures privées de dévotion de l'artiste étaient particulièrement populaires. Un exemple de ce genre est la Madone à la grenade (c. 1487, galerie des Offices). Comme beaucoup d'artistes à succès de la Renaissance, Botticelli était souvent chargé de réaliser des portraits. Un exemple intéressant de ce type d'œuvre est le portrait d'un jeune homme au nom inconnu qui présente au spectateur un grand médaillon en or montrant le profil de Cosimo l'Ancien, membre de la famille Médicis. De telles démonstrations de soutien donnent un aperçu de la politique de Florence, où il était manifestement considéré comme un bon choix de carrière de se faire peindre avec un soutien aussi évident de la famille régnante. Le portrait, datant de 1475 environ, se trouve aujourd'hui à la Galerie des Offices.
Enfin, l'habileté de Botticelli à saisir le caractère individuel des visages se manifeste même dans ses œuvres composites de plus grande envergure, où les figures d'arrière-plan se distinguent comme des portraits impressionnants à part entière. Un excellent exemple de cette attention portée aux détails de l'arrière-plan se trouve dans l'Adoration des Mages, datant de 1475 environ, exposée aux Offices. Le tableau est une véritable galerie de membres éminents de la famille Médicis, tandis que le personnage à l'extrême droite pourrait même être Botticelli en personne.
Carrière ultérieure
Dans les années 1490, Botticelli était célèbre pour avoir réalisé les illustrations de la section de l'Enfer du chef-d'œuvre littéraire de Dante Alighieri (1265-1321), la Divine Comédie. Toujours dans les années 1490, Botticelli fut fortement influencé par les idées du théologien et prédicateur Jérôme Savonarole (alias Girolamo Savoranola, 1452-1498), qui critiquait ouvertement ce qu'il considérait comme le déclin de la moralité et la négligence de la religion à Florence et ailleurs. Botticelli fut donc inspiré de se concentrer par la suite sur les peintures religieuses. La Calomnie d'Apelles , vers 1498, et la puissante mais énigmatique Nativité mystique, vers 1500, sont des œuvres typiques de cette période (voir ci-dessous), avec leur message qui invite les dirigeants à prendre garde aux dangers d'un monde séculier déconnecté.
Réputation et héritage
Botticelli fut constamment sollicité tout au long de sa carrière et il fut reconnu de son vivant comme un génie de la peinture. Techniquement excellent dans la représentation de l'anatomie et de la perspective, et maître de tous les types de couleurs, l'œuvre de l'artiste était surtout admirée pour son effet d'ensemble harmonieux. Botticelli était également maître dans l'art de capter les émotions, comme en témoigne le visage de Marie-Madeleine dans sa Lamentation sur le Christ mort de 1490-2, aujourd'hui conservée à l'Alte Pinakothek de Munich.
Un autre trait caractéristique de son œuvre, tout au long de sa carrière, est la suspension de l'incrédulité attendue du spectateur. Les scènes de Botticelli, en jouant avec la perspective et les plans de vue, sont très souvent dotées d'une qualité artificielle qui donne le sentiment de ne pas être de ce monde, un effet tout à fait approprié étant donné que ses deux principaux sujets sont soit des histoires de la mythologie ayant une importance allégorique pour le présent, soit de l'art religieux à des fins de dévotion. Cette rupture avec les limites de l'art classique sera poursuivie de manière similaire par les artistes de la Renaissance qui suivront.
Chefs-d'œuvre
Le Printemps
Le tableau Le Printemps, "Primavera" en italien, a intrigué les historiens de l'art pendant des siècles, car les opinions varient énormément sur sa signification précise. Ce panneau de bois peint fut peut-être commandé par Lorenzo di Pierfrancesco de' Medici et achevé vers 1482. Il s'agit d'une grande pièce, mesurant 315 x 203 centimètres (124 x 80 pouces). L'identité du personnage central au manteau rouge, la présence de ce qui pourrait être les Trois Grâces ou les Heures, et la figure d'un personnage louche entraînant une jeune femme à l'extrême droite du tableau sont autant de points particuliers de débat quant à leur signification les uns par rapport aux autres et au titre de l'œuvre.
La femme centrale est très probablement Vénus, étant donné la présence d'un Cupidon au-dessus d'elle, mais le halo qui entoure sa tête, formé par les broussailles derrière elle, pourrait indiquer qu'il s'agit de la Vierge Marie ou peut-être d'un amalgame des deux. Les Trois Grâces de la mythologie grecque seraient une interprétation appropriée du trio dansant puisqu'elles étaient associées à Aphrodite/Vénus et aux fleurs de printemps. La figure fantomatique bleu foncé à l'extrême droite pourrait être une représentation du dieu du vent Zéphyr qui enlève ce qui doit être la nymphe du printemps Chloris. Le personnage à l'extrême gauche cueillant une orange pourrait être le dieu messager Hermès/Mercure, qui représentait également la fertilité. L'ensemble de la scène, volontairement artificielle, ressemble à une tapisserie, notamment en raison des fleurs au premier plan et de l'orangerie derrière et au-dessus des personnages humains, qui n'interagissent pas du tout entre eux. Un indice supplémentaire de la signification du tableau pourrait se trouver dans le commanditaire, qui devait cette année-là se marier avec Semiramide d'Appiano. Le tableau est peut-être une allégorie du mariage et de la lune de miel printanière qui suit une telle union.
La naissance de Vénus
Peinte au début des années 1480, la Naissance de Vénus est devenue une œuvre d'art emblématique, copiée et référencée dans d'innombrables autres œuvres depuis lors. L'œuvre est une tempera et une huile sur toile aux dimensions impressionnantes : 279 x 175 centimètres (110 x 69 pouces). Le tableau dépeint l'histoire de la naissance d'Aphrodite/Vénus tirée de la mythologie classique. Tout comme Le Printemps, la Naissance de Vénus est exposée à la Galerie des Offices de Florence.
Les vents zéphyrs penchant vers le centre du tableau, la chevelure de Vénus soufflant vers la droite et l'assistante de la déesse (l'une des Heures ?) tendant le bras avec une robe flottante donnent à la scène une impression de mouvement dynamique. Les nombreuses fleurs, qui semblent jetées au hasard dans le vent, contribuent également à cet effet. De plus, les personnages sont tous sur la même plaine et semblent donc flotter sur un fond marin irréaliste. C'est presque comme si Botticelli avait l'intention de recréer la platitude observée dans le seul autre endroit où une telle iconographie était alors connue: la poterie grecque, romaine et étrusque. C'est précisément cette qualité qui donne à l'œuvre son effet de non-monde. La posture de Vénus et la position de ses mains, en revanche, sont entièrement tirées de la sculpture grecque et romaine, la Venus pudica. L'œuvre dans son ensemble est donc un exemple typique de l'art de la Renaissance, où les thèmes et l'imagerie classiques sont explorés et développés pour créer une interprétation entièrement nouvelle de l'iconographie familière.
Nativité mystique
La Nativité mystique est une tempera sur toile qui mesure 108,5 x 75 centimètres (42,5 x 29,5 pouces). Le tableau se trouve actuellement à la National Gallery de Londres. En apparence, il s'agit d'une crèche traditionnelle, du moins dans sa partie centrale, avec des bergers et des rois rendant visite au nouveau-né Jésus-Christ dans une étable toute désolée. Le haut et le bas du tableau sont cependant très différents. Des anges semblent danser dans un cercle doré au-dessus de l'étable, tandis qu'en dessous se trouvent trois autres anges, chacun embrassant un homme. Il y a aussi un certain nombre de démons qui semblent ne pas savoir quoi faire au milieu de toute cette joie.
Le tableau est surmonté d'une inscription en grec qui indique que Botticelli réalisa l'œuvre en 1500 et qu'il vit " le deuxième malheur de l'Apocalypse " (Rundle, 56), une référence aux sombres prédictions sur la fin de l'humanité que Savonarole débitait du haut de sa chaire. La surcharge d'anges dans le tableau pourrait même être une référence directe à Savonarole dont le surnom était "l'angélique". Une fois de plus, Botticelli combine l'imagerie traditionnelle avec ses propres idées pour suspendre la réalité et donner à son œuvre de multiples possibilités d'interprétation, une caractéristique classique du meilleur art de la Renaissance.
