Léonard de Vinci

Léonard de Vinci (1452-1519) était un artiste, architecte, ingénieur et scientifique italien de la Renaissance. Reconnu pour sa capacité à observer et à capturer le monde naturel, les phénomènes scientifiques et les émotions humaines dans diverses techniques artistiques, Léonard créa des chefs-d'œuvre innovants qui démontraient une maîtrise inégalée de la lumière, de la perspective et de l'effet global. Parmi ses œuvres les plus appréciées, citons le portrait de La Joconde, la dame au sourire mystique, maintenant au Louvre, la fresque de La Cène à Milan, et des images emblématiques telles que le croquis de L'Homme de Vitruve qui figure désormais sur la pièce d'un euro de l'Italie entre autres endroits.

Considéré comme l'un des plus grands esprits de l'histoire, l'approche de Léonard pour acquérir des connaissances sur tout, de l'anatomie à la mécanique impliquait la compréhension à la fois de la théorie et de la pratique d'un sujet donné. Bref, en combinant les compétences de l'artisan avec celles de l'expert, la vision de Léonard démontra les avantages d'une approche complètement nouvelle d'appréhender le monde présent et comment créer des choses nouvelles et merveilleuses pour le futur.

Jeunesse

Leonardo naquit le 15 avril 1452, fils illégitime d'un avocat de la ville de Vinci près de Florence. Enfant doué, surtout en musique et en dessin, vers 1464, le jeune Léonard fut envoyé poursuivre une carrière d'artiste et étudier comme apprenti dans l'atelier d'Andrea del Verrocchio (vers 1435-1488). D'autres grands artistes futurs présent alors dans l'atelier étaient Sandro Botticelli (1445-1510) et Pietro Perugino (c. 1450-1523). Là, Léonard apprit à maîtriser les techniques de croquis et de peinture, ainsi que les dernières tendances comme classiciser les détails ornementaux dans les peintures. L'une des premières contributions du jeune Léonard à l'art de la Renaissance a peut-être été l'ange agenouillé dans la peinture Baptême du Christ de Verrocchio (c. 1470, musée des Offices, Florence). Après avoir terminé son apprentissage en 1472, Léonard devint assistant rémunéré de Verrocchio et fut inscrit comme maître dans la guilde des peintres de Florence.

Très tôt, Léonard perfectionna également son clair-obscur (l'utilisation contrastée de la lumière et de l'ombre) et le sfumato (la transition des couleurs plus claires vers des couleurs plus foncées). La technique du clair-obscur est particulièrement évidente dans son illustration en couleur au fusain La Vierge, L'Enfant et sainte-Anne réalisée c. 1503 (National Gallery, Londres) et sa version peinte vers 1505 (Louvre, Paris). La technique du sfumato est bien illustrée dans la Vierge des Rochers, huile sur panneau (Louvre, Paris) réalisée par Léonard vers 1483. Cependant, Léonard était aussi un innovateur. Son Annonciation (musée des Offices) réalisée vers 1472 illustre bien que l'artiste suivait certaines tendances de la Renaissance, par exemple, les détails classiques de l'appui-livre de Marie, mais en ignorait d'autres comme son rejet évident de la symétrie dans les arbres à l'arrière-plan.

Paolo Giovio, évêque de Nocera, historien de l'art et contemporain de Léonard, donna dans sa mini-biographie le résumé suivant de la personnalité de l'artiste :

Il avait un caractère très aimable, impressionnant et généreux, et il avait la plus belle apparence. C'était un critique splendide et un inventeur de toutes choses élégantes et délicieuses, surtout dans les expositions théâtrales. Il chantait et s'accompagnait lui-même à la lyre, et il avait d'excellents rapports avec tous les princes de son temps.

( Bois, 269)

Notes et croquis

Léonard était loin d'être limité à l'art et ses intérêts étaient en effet vastes, englobant à peu près tout le monde physique. Il étudia l'architecture, l'ingénierie, la géométrie, la perspective, la mécanique et l'hydraulique pour s'assurer exactement de la façon dont les choses fonctionnaient et pourquoi elles apparaissaient comme telles à l'œil humain. Le monde naturel n'avait pas été négligé grâce à ces études en anatomie, botanique, zoologie et géologie. Léonard tint des carnets tout au long de sa vie dans lesquels il enregistrait les résultats de ses recherches et ses idées pour de nouvelles inventions. Les machines que l'artiste inventa comprennent des grues, des bateaux à aubes, des réservoirs, des canons, des appareils pour respirer sous l'eau et même des engins volants. Le seul élément qui manquait à bon nombre de ces créations était un moteur à combustion interne, qui ne serait inventé, bien sûr, que des siècles plus tard. Les notes de ces livres sont souvent entrecoupées de croquis, beaucoup étant des chefs-d'œuvre miniatures en eux-mêmes. Peut-être le plus célèbre de tous ces croquis est le dessin de l'homme de Vitruve (voir ci-dessous).

De plus, Léonard coucha sur le papier ses réflexions sur la peinture et son observation des effets vus dans la nature qu'il jugeait utiles à l'artiste. Comme il le dit lui-même, «un peintre n'est admirable que s'il est universel», bien qu'il reconnaissait le fait que la maîtrise de n'importe quel sujet prenait du temps et nota que l'impatience était la mère de la stupidité (Hale, 183). Ces notes et traités furent sans doute utiles dans le rôle de Léonard en tant que tuteur de jeunes artistes dans son propre atelier. Chose curieuse est que grand nombre d'entre eux sont rédigés en écriture spéculaire (écriture en miroir) c'est-à-dire dans le sens inverse de l'écriture manuscrite normale.

Outre les piles de cahiers, Léonard se dota d'une impressionnante bibliothèque personnelle qui, en 1503, contenait 116 livres couvrant des sujets tels que la médecine du Moyen-Âge et de la Renaissance, la religion et les mathématiques. La collection comprenait des œuvres fondamentales telles que l'Histoire Naturelle de Pline, Géographie de Ptolémée I et De Re Militari de Roberto Valturio. Leonardo s'intéressait aussi aux langues, en particulier le latin, qu'il tenta d'apprendre en autodidacte afin de lire les manuscrits médiévaux sous leur forme originale; de longues listes de mots latins se trouvent dans ses cahiers.

Milan

La polyvalence de Léonard est illustrée par son travail pour Ludovico Sforza (1452-1508), duc de Milan. Léonard avait emménagé dans la ville en 1482 et il fut le principal ingénieur militaire et naval des Sforza, d'une part, et maître peintre et sculpteur, d'autre part. Léonard produisit également des automates ingénieux pour les festivals de Ludovico, y compris des planètes en mouvement avec leurs dieux homonymes à l'intérieur. Le maître tourna son attention vers une imposante statue équestre en bronze de Francesco Sforza (1401-1466), fondateur de cette dynastie, mais le projet ne dépassa jamais le stade du modèle en terre cuite - non l'unique projet que Léonard ne termina jamais . Il existe des croquis montrant la forme générale et comment Léonard tenta de trouver comment fabriquer et transporter les pièces de bronze massives pour l'assemblage final.

Léonard peint la maîtresse de Ludovico Sforza Cecilia Gallerani dans sa Dame à l'Hermine vers 1490 (Musée national de Cracovie, Pologne). Sa plus grande œuvre dans les 17 années qu'il passa à Milan, cependant, est la fresque murale de La Cène (voir ci-dessous). C'est à cette époque, plus précisément dans les années 1490, que Léonard lança la nouvelle technique de dessin à la craie rouge sur papier traité. Les nombreux exemples survivants de ces dessins incluent un célèbre autoportrait qui montre l'artiste vieilli avec une longue barbe. Le croquis est maintenant dans la Bibliothèque Royale de Turin.

Autres voyages et la France

Léonard visita Venise en 1500. À cette époque, il peignit sa version érotique de l'histoire de Léda et du Cygne de la mythologie grecque, œuvre aujourd'hui perdue, bien que des croquis survivent. En 1502, Léonard travailla à Rome où il fut chargé par l'homme d'État Cesare Borgia (1475-1507) d'améliorer les canaux de la ville. Il cartographia également la ville et les régions avoisinantes et planifia des améliorations aux ports. L'une de ses cartes les plus célèbres est celle d'Imola qui, réalisée en 1502, montre chaque structure vue du dessus à une échelle très précise, la première carte de ce type à être faite. En 1503, Léonard était de retour à Florence pour travailler à des propositions de fresque murale de scène de bataille dans la salle du conseil de la ville. L'esquisse de cette œuvre de Léonard, aujourd'hui perdue, montrait la bataille d'Anghiari en 1440 entre les armées de Florence et de Milan. Au début du XVIe siècle, Léonard réalisa également une peinture sur laquelle il avait probablement travaillé sporadiquement, le portrait de Mona Lisa (voir ci-dessous).

En 1517, Léonard s'installa en France, où ses compétences furent appréciées par François Ier (r. de 1515 à 1547), grand mécène des artistes et architectes de la Renaissance. Léonard, spécialement invité par le roi de France, fut peut-être impliqué dans la phase initiale de conception du Château de Chambord, construit de 1519 à 1547. L'ingénieux escalier du château en double colimaçon est souvent attribué au génie de Léonard, même en l'absence de preuves solides.

La dernière œuvre d'art de Léonard fut sa peinture vers 1515 de Saint Jean-Baptiste (Louvre, Paris), bien qu'il semble s'être davantage concentré sur la recherche scientifique dans les dernières étapes de sa vie. Léonard mourut dans sa maison française, le Château Cloux (alias le Clos Lucé), le 2 mai 1519 il fut enterré dans la chapelle Saint-Hubert juste à côté du Château d'Amboise.

Réputation et héritage

La grande diversité de l'œuvre laissée par Léonard a surpris les historiens et les critiques depuis sa mort. Comme l'historien de la Renaissance Jacob Burckhardt (1818-1887) le souligna, «les contours colossaux de la nature de Léonard ne pourront jamais être conçus plus que de manière vague et distante» (104). Les œuvres de Léonard influencèrent les autres artistes de la Renaissance en raison de leur maîtrise de la composition et de la lumière, de la posture contrapposto de leurs figures (c'est-à-dire l'asymétrie entre le haut et le bas du corps) et de la pure invention et la variété de leurs compositions.

Cependant, il est également vrai de dire que certains éléments des œuvres de Léonard étaient si subtiles et talentueux que peu d'artistes avaient le moindre espoir de les imiter. A l'époque, comme aujourd'hui, une grande partie de son art était grandement admirée mais pas entièrement comprise par tout le monde. Néanmoins, ceux qui pouvaient voir le virent. Les études du maître pour la bataille d'Anghiari, dont plusieurs exemplaires avaient été faits, eut une influence sur des artistes aussi doués que Raphaël (1483-1520) qui admiraient grandement les contorsions de la masse humaine apparemment capturée à un moment figé dans le temps. Ce n'est qu'un exemple de l'influence du maître, juste un produit de ce que le mathématicien et collaborateur fréquent de l'artiste, Luca Pacioli (c.1447-1517), appelait déjà « la main gauche divine » (Campbell, 387). La renommée de Léonard atteint même Constantinople où le sultan de l'Empire ottoman Bayezid II (r. de 1481 à 1512) l'invita, sans succès, à sa cour.

Les carnets de Léonard, publiés avant 1570, furent influents tant pour leurs théories sur la peinture que pour ses diagrammes sur la perspective, mais aussi pour l'avancée de la connaissance en général. La simple façon dont Léonard avait illustré certains sujets (d'un embryon à une cathédrale), en utilisant la section transversale, la perspective, la précision de l'échelle et la répétition du sujet, mais de points de vue différents, influencerait le dessin de l'architecture et la création de diagrammes scientifiques pour toujours. Léonard avait surtout démontré que la pratique et la théorie ne pouvaient et ne devaient pas être séparées. Le grand maître prouva, en personne, qu'une connaissance approfondie de tout sujet exigeait une combinaison des compétences de l'artisan, du flair et de l'imagination de l'artiste, de la recherche et du raisonnement méticuleux d'un expert. Par conséquent, les approches d'un grand nombre de sujets, mais surtout de l'art, de l'architecture, de l'ingénierie et de la science, furent fondamentalement changées pour toujours.

Chefs d'œuvre

La Joconde

La Joconde (La Gioconda en italien) est le portrait d'une femme non identifiée fait par Léonard entre 1503 et 1506. Il mesure 98 x 53 centimètres (38 x 21 pouces), une taille relativement petite qui surprend souvent le public moderne habitué à voir cette image emblématique dans des réimpressions plus grandes. La peinture, plutôt que de simplement capturer les caractéristiques physiques du modèle, tente de capturer l'humeur et les pensées mêmes du sujet à un moment précis, ce que Léonard appelait « les mouvements de l'esprit » (Campbell, 257). Parmi les autres effets, mentionnons l'utilisation de la perspective aérienne, les couleurs qui s'estompent à l'arrière-plan pour former un paysage aqueux et la différence de gradation des couleurs du haut vers le bas de la peinture.

La posture décontractée de la dame et la position de ses mains forment, avec la tête comme point de départ, la forme de triangle classique que beaucoup d'artistes de la Renaissance expérimentaient dans leurs peintures. Les couleurs claires et sombres sont utilisées de façon experte pour souligner le visage ovale et les mains douces de la dame tandis que les contours de ces lignes combinent des lignes convexes et concaves qui créent une illusion de mouvement souple. Enfin, la vue de trois-quarts de la dame crée une autre suggestion de mouvement car elle semble avoir juste à ce moment tourné son regard vers le spectateur. Le fait que Léonard s'intéresse exclusivement à présenter le point de vue d'un individu vivant en contact intime avec le spectateur est en outre attesté par l'absence de titre identificateur et l'absence totale de bijoux ou d'autres symboles de richesse typiques des portraits jusque-là. L'œuvre fut immédiatement influente, inspirant des artistes comme le jeune Raphaël dans ses propres portraits tels que Maddalena Strozzi et Baldassare Castiglione . Léonard dut être satisfait de sa Joconde car il ne s'en sépara jamais de son vivant et le tableau est aujourd'hui l'une des attractions phares du musée du Louvre à Paris.

La Cène

La Cène (Il Cenacolo en italien) est une représentation du dernier repas de Jésus-Christ et de ses apôtres que Léonard peignit sur le mur du réfectoire de Santa Maria delle Grazie, résidence de l'ordre dominicain à Milan. C'était un sujet traditionnel de décoration des réfectoires monastiques, et l'œuvre fut très probablement commandée par Ludovico Sforza, dont les armoiries apparaissent en haut de la fresque. Les travaux furent terminés vers 1498. Le triomphe de cette fresque murale réside dans la variation des réactions émotionnelles manifestées par chacun des apôtres en entendant que l'un d'eux va bientôt trahir Jésus.

Comme toute grande œuvre d'art, La Cène fut soumise à toutes sortes d'interprétations. Certains, par exemple, ont vu Marie-Madeleine dans le personnage destiné à être le jeune saint Jean l'Evangéliste, assis à gauche de Jésus. Malgré l'intérêt intense pour les figures périphériques et leur signification, la vedette de la scène est, bien sûr, Jésus, qui, présenté comme une forme triangulaire centrale, attire l'attention du spectateur par la perspective précise du fond qui conduit irrésistiblement l'œil au centre même de l'image. Le motif triangulaire se répète encore par la division marquée des vêtements de Jésus et par Léonard qui organise les apôtres en quatre groupes distincts, formant chacun un triangle approximatif avec leurs corps collectifs. Enfin, parmi toute l'action et l'agitation des apôtres gesticulants, Jésus, les deux mains sur la table, est une vision d''immobilité, un centre calme et conscient dans une tempête d'indignation et d'incompréhension.

L'œuvre fut immédiatement très influente grâce à une gravure réalisée par Marcantonio Raimondi (1480-1534) qui fut largement distribuée aux artistes intéressés. Malheureusement, les choses prirent un mauvais tournant quand une décennie plus tard, la peinture commença à s'effriter. C'est parce que Léonard avait expérimenté l'utilisation de peintures à l'huile et de la tempera sur du plâtre dans une technique non documentée au lieu de la vraie méthode de fresque familière et beaucoup plus durable. Cette expérimentation douteuse a défié les restaurateurs de La Cène depuis lors. La peinture murale a également souffert plus récemment. Tout d'abord, pour on ne sait quelle raison, une porte a été construite dans le mur, porte qui s'ouvre dans le bas de la fresque. Puis, pendant la Seconde Guerre mondiale, le bâtiment a été bombardé. Heureusement, la peinture murale avait été protégée par un mur de sacs de sable et a survécu aux bombardements, mais elle a été exposée aux intempéries jusqu'à ce que des réparations adéquates aient été effectuées. Un programme complet de restauration a été mené au début du XXIe siècle, et l'œuvre peut être admirée par le public, bien que le nombre de visiteurs soit limité et que la pré-réservation soit obligatoire.

Homme de Vitruve

Bien qu'il ne soit pas une œuvre d'art achevée (ou jamais destinée à l'être), le croquis à la plume et à l'encre sur papier de Léonard connu sous le nom de l'Homme de Vitruve est devenu si célèbre qu'il est l'une des images les plus associées à son nom. Mesurant 34 x 25 centimètres (13,5 x 10 pouces), il fut dessiné vers 1492 et se trouve maintenant à la Galerie de l'Academie de Venise. Le nom de l'œuvre vient de Vitruve (c. 90 - c. 20 av. J.-C.), l'architecte romain qui a écrit le célèbre De Architectura, traité influent qui combine l'histoire ancienne de l'architecture et de l'ingénierie avec l'expérience personnelle et les conseils de l'auteur sur le sujet.

Le travail de Vitruve était populaire pendant la Renaissance, alors que les artistes réexaminaient le monde classique à la recherche d'idées et d'inspiration. Dans un passage particulier, Vitruve recommande que des proportions architecturales correctes soient dérivées d'une étude des proportions du corps humain. Le passage décrit un corps humain dans un cercle et un carré. Plusieurs artistes et architectes de la Renaissance, attirés par l'idée qu'il y avait une relation mystérieuse et peut-être même divine entre les mathématiques, le corps humain et la beauté, tentèrent de dessiner ce que Vitruve n'avait décrit que par des mots. L'Homme de Vitruve de Léonard est une de ces tentatives. Le nombril de l'homme est le centre du cercle et ses doigts et ses pieds touchent sa circonférence. Une deuxième figure masculine, superposée à l'autre, est située dans un carré. L'esquisse est peut-être une métaphore de la position de l'humanité au centre d'un univers ordonné, et en tant que telle, elle est devenue un symbole déterminant de la Renaissance et de l'enquête en cours sur la relation exacte entre la religion, la science et l'art.