El arte celta antiguo

El arte, junto con la lengua, es quizás la mejor manera de ver las conexiones entre los antiguos pueblos que denominamos celtas y que vivieron en la Europa de la Edad de Hierro. Hubo grandes variaciones a lo largo del tiempo y el espacio, pero los rasgos comunes del arte celta antiguo incluyen esculturas de dioses enigmáticos y guerreros desnudos, el amor por la representación de animales del bosque, el uso de diseños vegetales complejos y arremolinados, y el deseo de realzar la belleza incluso de los objetos cotidianos más pequeños y mundanos. El arte celta también se influenció y eventualmente se retiró de las culturas vecinas, desde los tracios hasta los romanos. Está en boga desde que se redescubrieron piezas antiguas y medievales en el siglo XIX de nuestra era y sigue fascinando e inspirando a artistas y artesanos en la actualidad.

Temas del arte celta

Aunque los estudiosos debaten mucho sobre la utilidad del término "celta" para referirse a los distintos pueblos de la Europa de la Edad de Hierro, es quizás en el arte donde resulte más convincente el hecho de que existían lazos de similitud cultural entre estos pueblos en todo el continente. Desde Iberia hasta Bohemia se repiten los temas en el arte, que aparecen en diversos medios desde el 700 a. C. hasta el 400 d. C. Naturalmente, hubo muchas variaciones regionales en el arte, pero algunas de las ideas que aparecen una y otra vez en el arte celta incluyen:

• El amor por las formas fluidas, tanto en los contornos de las obras como en su decoración.
• Las representaciones de dioses y guerreros, especialmente de sus cabeza.
• Las representaciones de animales (reales o imaginarios), especialmente del bosque, como ciervos, jabalíes, caballos y perros de caza.
• El uso de complejos diseños vegetales, patrones abstractos, líneas entrelazadas en forma de remolino, que pueden llenar todos los espacios decorativos disponibles en un objeto.
• La aparición del arte en todo tipo de objetos, incluidos los funcionales de uso cotidiano para la cocina y en forma de miniatura, como las diminutas horquillas.
• El deseo de transmitir mensajes de poder e ideas religiosas sobre esta vida y la siguiente.

Otra fuente de variación, además del espacio y el tiempo, son las culturas externas con las que determinados grupos de celtas entraron en contacto en términos de vecinos, comercio y guerra. La cerámica griega y etrusca era muy apreciada, por ejemplo, y se ha encontrado en muchos sitios funerales celtas. En el arte celta también pueden verse elementos del arte tracio y de los escitas, como cabezas de toro y cuernos adornados para beber. Cuando los romanos conquistaron la Galia en la segunda mitad del siglo I a. C., trajeron consigo ideas en materia de arte, especialmente el amor por las criaturas fantásticas y los nuevos materiales como el latón y el esmalte. A través del comercio y los regalos diplomáticos, incluso las ideas artísticas de lugares tan lejanos como Persia llegaron a la Europa celta. Los celtas también aprendieron unos de otros y algunas regiones se especializaron en ciertas formas de arte, como los orfebres de las regiones que rodean los ríos Rin y Mosela. Por último, con la cristianización de Europa, el arte celta adoptó nuevas formas y medios, que se reflejan en los manuscritos iluminados, los broches y las cruces de piedra que caracterizan el arte celta medieval.

Para incrementar la dificultad de apreciar un arte que se produjo a lo largo de muchos siglos en diferentes regiones, los celtas dejaron muy pocos registros escritos, por lo que no tenemos comentarios de los propios creadores sobre lo que inspiró su arte, lo que su arte pretendía representar o cómo debía utilizarse. En consecuencia, el arte celta debe juzgarse en gran medida examinando únicamente los propios objetos artísticos y los contextos en los que han sido redescubiertos. También conviene recordar que en las culturas antiguas no existía una clasificación entre "arte elevado" y artesanía. Para los celtas, el arte podía aplicarse a cualquier cosa y siempre era funcional, aunque solo los ricos podían permitirse objetos muy decorados, como recipientes ornamentados para fiestas, armaduras y armas. Por todo ello, los historiadores J. Farley y F. Hunter afirman que "el arte celta es una etiqueta difícil y compleja" y "es más correcto entenderlo como una serie de 'artes celtas' que como una tradición única y homogénea" (205 y 51).

La escultura celta

La escultura se tallaba en madera, piedra y metal, como el bronce fundido o martillado, el hierro y el oro. La forma y la decoración adicionales se conseguían mediante el grabado, el punzado, el trazado y el repoussé (acanalar el material por detrás para crear un relieve en la otra cara). Se añadían detalles a las esculturas de todo tipo utilizando materiales coloridos como el vidrio (especialmente el rojo), el coral, la concha, el ámbar, las piedras semipreciosas y el esmalte.

Las primeras esculturas celtas se centran en la forma humana, especialmente en la cabeza, que se consideraba el hogar del alma. Estas obras suelen representar a los dioses y a las figuras heroicas de los guerreros, pero a menudo son abstractas, y los rasgos faciales típicos son los ojos lánguidos, la nariz bulbosa y el pelo recogido. Las esculturas rara vez son de tamaño natural, pero se conservan algunos ejemplos. El dios cornudo Cernunnos, que representaba la naturaleza y la fertilidad, aparece en varias esculturas de piedra. Las figuras de madera de pie, sobre todo de roble, se representan con un manto con capucha y, a veces, con una antorcha de metal que llevaban al cuello. Estas figuras probablemente se encontraban en lugares religiosos celtas.

También tenían connotaciones religiosas las piedras talladas que se conservan sobre todo en Francia e Irlanda. Las piedras típicas tienen forma de cúpula o de pirámide de cuatro lados y están cubiertas con diseños abstractos de líneas, remolinos y motivos vegetales. Es posible que representaran una visión celta del universo y que se colocaran en lugares sagrados. Un buen ejemplo es el pilar de piedra del siglo V-IV a. C. de Pfalzfeld, en St. Goar (Alemania). El pilar tiene 1,48 metros de altura y estaba rematado por una cabeza. Dividida en cuatro lados por relieves de cables verticales, cada cara tiene una cabeza humana con barba que lleva un elaborado tocado del tipo "corona de hojas". Además hay esculturas que no se pueden identificar como dioses o guerreros. El ejemplo más famoso es la cabeza de piedra Mšecké Žehrovice que data alrededor del siglo II a. C. de un santuario en la República Checa.

Sin embargo, fue el guerrero el que parece haber capturado realmente la imaginación celta. Las figuras de guerreros, que a menudo se representaban desnudos y solo llevaban una antorcha alrededor del cuello, un cinturón con una espada y, a veces, un manto, se hacían de todos los tamaños y quizás se hacían para estar de pie en los lugares de enterramiento. Un ejemplo de tamaño natural es el "Príncipe de Glauberg" del siglo V a. C., excavado en Glauberg (Alemania). El guerrero, que lleva un escudo, lleva una túnica de malla y un collar de antorchas con tres colgantes. También lleva un elaborado tocado del tipo "corona de hojas". Asimismo, hay esculturas que no podemos identificar categóricamente como un dios o un guerrero. El ejemplo más famoso es la cabeza de piedra arenisca de Mšecké Žehrovice, procedente de un santuario de la República Checa, que data de alrededor del siglo II a. C.

Los animales, tanto reales como imaginarios, eran otro de los temas favoritos, especialmente en forma de miniaturas en metal para adornar todo tipo de objetos como calderos, carros y jarras. Los celtas creían que los tótems de animales, especialmente en las armas, las armaduras, las crestas de los cascos, los cuernos de guerra y los escudos, protegían al portador y los dotaban con las propiedades y las características de determinados animales. Entre los animales más representados (ya sea enteros, con las cabezas o en forma de máscaras) se encuentran el toro, el caballo, el ciervo y el jabalí. Una excelente pieza de escultura celta abstracta, destinada en su día a adornar un cubo o un recipiente similar, es la máscara de bronce con cabeza de caballo, de entre el 50 a. C. y el 100 d. C., descubierta como parte del tesoro de Stanwick en el norte de Yorkshire (Inglaterra). La máscara está hecha de una sola lámina de metal y tiene los ojos, las fosas nasales y el puente de la nariz muy estilizados, todo ello representado en poco relieve. Otra técnica para crear oscuridad era diseñar una pieza de forma que cambiara al verla desde distintos ángulos. Desde un lado, un rostro puede aparecer simplemente como un grupo de líneas y formas interconectadas y solo de frente se revela el rostro abstracto de un ser humano o un animal.

Escudos celtas

Las esculturas de los guerreros celtas suelen llevar su consabido escudo oblongo, y estos objetos, en particular sus umbos, solían ser una obra de arte en sí mismos. Los escudos celtas estaban hechos de madera y cuero con hebillas de metal, con un umbo central para mayor resistencia. Estos umbos y los escudos ceremoniales de bronce o los revestimientos de bronce destinados a los escudos reales eran otra oportunidad para que el artista celta mostrara sus habilidades. Un ejemplo destacado es el escudo Battersea, ahora en el Museo Británico. El escudo fue recuperado del río Támesis, al que probablemente se arrojó como ofrenda votiva. El escudo, que data de entre el 350 y el 50 a. C., está hecho de una lámina de bronce decorada con relieves, grabados y repujados. Tiene tres grandes redondeles: el del centro, que es el más grande, tiene un pronunciado umbo. Tiene volutas y 27 tachones enmarcados que en aquel momento se rellenaban con pasta de vidrio roja. Las palmetas y los motivos en forma de S en repoussé conectan los tachones dentro de cada redondel.

Dos piezas que muestran el arte celta abstracto son el escudo de Witham y el umbo de Wandsworth, ambos también recuperados en ríos ingleses. El umbo del escudo de Witham, que data de entre el 400 y el 300 a. C., tiene una decoración abstracta repoussé con la adición de piezas de coral rojo. El escudo tiene un tenue diseño de un jabalí macho con patas alargadas, visible hoy solo como una diferencia en el tono de la pátina. El umbo de Wandsworth data del periodo comprendido entre el 350 y el 150 a. C., su decoración adopta la forma de cabezas de pájaros estilizadas con picos aguileños y cuerpos alargados en repoussé. Las extremidades de los pájaros se transforman en volutas o zarcillos mientras las dos criaturas parecen volar alrededor de la circunferencia del umbo. Este tipo de decoración puede verse en otras obras celtas, como los espejos de bronce y los cascos rituales.

Torques celtas

El torque es uno de los elementos de joyería celta por excelencia que los escritores clásicos señalaron como rasgo cultural distintivo (aunque también existían en otras culturas). En el arte celta abundan los ejemplos de guerreros y dioses que llevan torques en el cuello, pero también se conservan muchos torques reales. Esto puede deberse a que el torque se ofrecía en los rituales o a que se enterraban como depósito de riqueza práctico. Los torques pueden tener un significado espiritual, pueden proteger al portador y ser una indicación del estatus del portador; las de oro seguramente eran un símbolo de riqueza. Se fabricaban en hierro, bronce, cobre, plata y oro, y su diseño varía en cuanto a los motivos de los extremos, que pueden ser lazos, cabezas de animales o formas como relojes de arena, esferas y discos. La cuerda puede ser lisa, retorcida, maciza, hueca o enrollada alrededor de un núcleo orgánico.

Tal vez el mejor ejemplo de una torque celta sea el Gran Torque de Snettisham, que forma parte del tesoro funerario de Snettisham, hallado cerca del pueblo de Snettisham en Norfolk, Inglaterra. Fabricado con una aleación de oro (los otros metales son plata y cobre), pesa algo más de un kilo (2,2 libras) y data del 150-50 a. C. La banda de este collar está compuesta por 64 hilos que se entrelazan en ocho cuerdas, cada una de las cuales consta de ocho hilos. Los extremos son huecos y se fundieron con moldes y se soldaron a las cuerdas. Los extremos mezclan zonas en relieve con cestería cincelada. El artesano utilizó herramientas muy finas para lograrlo y para afinar el trabajo de fundición y eliminar las imperfecciones.

Otro ejemplo muy fino es el torque de Trichtingen chapado en plata, descubierto cerca de la ciudad de ese nombre en Alemania y que probablemente data del siglo II a. C. Mide 29,5 cm (11.5 in) de diámetro y pesa 6,7 kilos (14.8 lbs). Es demasiado pesado para llevarlo puesto, por lo que es posible que se haya utilizado como ofrenda votiva o para adornar una estatua. Los extremos en forma de cabeza de toro imitan el arte de Tracia o Persia.

Broches celtas

Los antiguos celtas eran especialmente aficionados a crear broches y alfileres ornamentados. Los broches, necesarios para la función práctica de sujetar la ropa, pronto pasaron de ser simples fíbulas de bronce y hierro a convertirse en símbolos de estatus muy ornamentados y amuletos que llevaban hombres, mujeres y niños. Los primeros broches tenían forma de animales, especialmente de caballos y serpientes, pero también de cabezas humanas, campanas y tambores. Podían tener forma de S con una cabeza en cada extremo o ser más abstractos con espirales y nudos intrincados. Una forma común era el broche penanular o fíbula celta, compuesto por un anillo casi completo y un alfiler que podía girar y pasar por la rotura para abrirse y cerrarse. El broche penanular llegó a ser muy decorativo y fue popular en toda Europa durante la Edad Media.

Los ejemplos más finos de broches celtas se hacían con oro y podían llevar incrustaciones de materiales preciosos de colores. El metal se fundía, grababa y perforaba. Uno de los mejores ejemplos de estas obras maestras en miniatura es el broche de Braganza, descubierto en España y que data del año 250-200 a. C. Este broche de oro tiene un guerrero celta con escudo que se enfrenta a un perro de caza. La guarda del broche, muy decorativa, presenta intrincados lazos y curvas.

Calderos celtas

Los calderos ocupaban un lugar especial en la cultura celta; representaban la abundancia y la regeneración, mientras que en la mitología tenían propiedades mágicas como la de producir porciones interminables de comida. Los calderos que se utilizaban en ocasiones especiales, como las fiestas celtas, estaban adornados de manera especial. Fabricados en chapa de bronce, se suspendían sobre el fuego mediante cadenas y se utilizaban para cocinar guisos de carne. Las esculturas en miniatura solían adornar los bordes, las asas y los puntos de suspensión.

El mejor ejemplo de caldero decorativo, quizás demasiado bien hecho para haber sido utilizado alguna vez para cocinar, es el caldero de Gundestrup, de Dinamarca. Este cuenco de plata, parcialmente dorado, data tal vez del siglo I a. C. o antes, y es probable que haya sido importado de la región del bajo Danubio. Los espléndidos paneles en relieve muestran escenas de dioses de inspiración celta, pero también tiene motivos y animales que se ven en el arte de Oriente Próximo. Como señalan los historiadores J. Farley y F. Hunter, el caldero "no es celta, o, al menos, no es solo celta" (262). Como tal, es un objeto que sigue generando intriga e ilustra las dificultades de examinar qué es y qué no es arte celta antiguo. Cinco paneles interiores y ocho exteriores muestran a dioses como Cernunnos y Medb, entre otros, la mayoría de ellos con un torque de cuello. Tiene escenas de un sacrificio de un toro, una tropa de guerreros celtas, grifos alados, leopardos y elefantes.

Cerámica celta

Las vasijas de cerámica celta suelen tener una forma elegantemente curvada y pueden ser de color oscuro o rojo con decoración negra. Las primeras vasijas copiaban los objetos fabricados en bronce. A pesar de su sencillez, las vasijas estaban bien hechas y muy pulidas. Un tipo de recipiente típico del siglo VI a. C. es el recipiente tripartito carenado, hecho de tres piezas separadas y angulares. Con la introducción de un torno de alfarero más rápido, proveniente del Mediterráneo, fue posible hacer vasijas de mejor calidad. Los celtas eran especialmente aficionados al vino, por lo que el Linsenflasche, un tipo de frasco con cuello largo, era común en Europa central en los siglos V y IV a. C. A partir de mediados del siglo IV a. C. abundan los recipientes bulbosos con un pequeño pedestal y sin asas.

Los diseños geométricos sencillos eran populares en la cerámica primitiva. A medida que el arte se fue sofisticando, los animales se convirtieron en el motivo decorativo favorito y se esgrafiaban, pintaban o estampaban en todo tipo de cerámica. La decoración curvilínea era otra característica común, ya que los artistas celtas llenaban todos los espacios disponibles, una tendencia que enfatizaba aún más las curvas de la vasija. A veces, se pintaba una gran parte de la vasija de forma lisa para resaltar una zona decorativa vecina. La combinación de siluetas de animales y líneas geométricas fluidas se aprecia mejor en la cerámica del sur de Francia del siglo II a. C., cuando los animales se vuelven casi irreconocibles con sus cuerpos y extremidades alargadas.

Decadencia y legado

La expansión del Imperio romano a partir del siglo I a. C. hizo que la cultura y el arte celtas absorbieran más ideas mediterráneas, no solo en los modos de representación, sino también en el propio tema del arte. Un bajorrelieve de Reims muestra la figura de Cernunnos en el centro, pero a su lado se encuentran los dioses grecorromanos Apolo y Mercurio. Además, el arte romano producido en masa y la erosión del sistema celta de mecenazgo del arte autóctono, provocada por el nuevo orden político y social, hicieron que el arte celta empezara a decaer y prácticamente desapareciera en la Europa continental. Luego, cuando el cristianismo se apoderó de Europa a finales de la antigüedad, los artistas europeos modificaron sus obras para reflejar las nuevas creencias de la gente. Los artistas celtas, limitados ahora a Gran Bretaña e Irlanda, encontraron la expresión de sus ideas en los broches, especialmente los de tipo penanular, cuya decoración tenía símbolos relevantes para la religión cristiana. Mientras tanto, el amor por los complejos diseños curvilíneos encontró un nuevo hogar en los manuscritos iluminados y los escultores crearon cruces de piedra ornamentadas para los cementerios.

En efecto, el arte celta se fusionó con el anglosajón y el vikingo en la Gran Bretaña medieval, pero permaneció más puro en las más aisladas Irlanda y Escocia. Con la conquista normanda de Inglaterra en el año 1066 d. C., llegó toda una nueva serie de influencias y el arte se trasladó una vez más a nuevas ideas y materiales. En consecuencia, el arte producido por los antiguos celtas pasó a ser un elemento desconocido del pasado no escrito. Luego, al cabo de los siglos, llegó el retorno. El arte celta disfrutó de un gran resurgimiento en el siglo XIX tras el milagroso descubrimiento de varias piezas importantes, como los broches penanulares de Hunterston y Tara, y el mayor interés por la historia prerromana. El arte de los antiguos celtas, que inspiró a los artistas con formas abstractas y curvilíneas, muy a menudo alentado por ideas de nacionalismo y rejuvenecimiento del patrimonio cultural, volvió a cobrar protagonismo e hizo eco en movimientos como el Art Nouveau.