Rafael

Rafael (1483-1520) fue un pintor y arquitecto italiano a quien se le considera uno de los más grandes artistas del Renacimiento junto con Miguel Ángel (1475-1564) y Leonardo da Vinci (1452-1519). Las obras de Rafael son célebres por su composición armónica y su vibrante colorido. La pintura Los desposorios de la Virgen y el mural La escuela de Atenas están entre sus mayores triunfos.

En su corta carrera, Rafael creó un inmenso catálogo de obras maestras usando diferentes técnicas: pintura al óleo, fresco y arquitectura. Además, algunas de sus creaciones fueron diseñadas para la confección de tapices. En sus últimos años, Rafael fue un pionero del nuevo estilo artístico llamado manierismo, cuya elegancia poco natural remplazó la inspiración basada en el clasicismo y el orden grandioso del Alto Renacimiento.

Juventud

Debido a que hay pocos detalles conocidos de la vida del artista y que a ciencia cierta no ha sobrevivido ningún retrato suyo, las generaciones futuras se han visto obligadas a conocer a Rafael únicamente por sus obras. Afortunadamente es a través de su trabajo y de los respectivos registros de encargos, además de cartas que podemos seguir su brillante carrera al tiempo que se traslada de una ciudad a otra hasta lograr establecerse como uno de los más amados e influyentes artistas del Renacimiento.

Rafael, cuyo nombre de pila es Raffaelo Sanzio, nació en 1483 en Urbino, en la región italiana de las Marcas. Su padre, Giovanni Santi (que murió en 1494), fue un pintor de poco renombre en la corte de Urbino. Lo más probable es que el joven aprendió con su padre y luego del artista Timoteo Viti da Urbino. A partir de 1499, Rafael trabajó en Perugia bajo la tutoría del célebre artista Pietro Perugino (c. 1450-1523), cuyas obras incluyen frescos en la Capilla Sixtina en Roma. Por lo general, Perugino se interesó en crear una sensación de espacio en sus obras y este método fue adoptado por su discípulo, lo que puede observarse mejor en la pintura Los desposorios de la Virgen (véase aquí abajo), que fue terminada alrededor de 1504.

Estancia en Florencia

Alrededor de 1504, Rafael se mudó a Florencia. Durante los cuatro años siguientes, se familiarizó con las obras de los grandes artistas de este período tales como Miguel Ángel y Leonardo da Vinci. Para tener una idea general de algunas de las relaciones tensas que se dieron entre los artistas del Renacimiento, cabe mencionar que Miguel Ángel tuvo poco tiempo para Rafael y años más tarde en Roma, lo acusó de robarle sus ideas plasmadas en el techo de la Capilla Sixtina. Quizás fuese cierto que Rafael comenzó a incorporar una cierta monumentalidad clásica en sus obras e intentó pintar figuras con poses más dramáticas y complejas, siendo todo esto una marca distintiva del trabajo de Miguel Ángel. Otra influencia mayor vino por parte del pintor Fray Bartolomeo (c. 1472-1517), un monje de la orden Dominicana que creía en la importancia del arte religioso. Fue en este tiempo que Rafael produjo obras como la Madona de los Ansidei, la Madona del Prado, Santa Catalina de Alejandría, y La deposición del cuerpo de Cristo (véase abajo).

Roma: el gran pintor de frescos

A partir de 1508, el artista finalmente se estableció en Roma, y fue allí donde comenzó una de sus obras más famosas: los frescos para los aposentos papales, mejor conocidos como Stanze della Segnatura, en el Palacio Vaticano. Estos frescos fueron un encargo del papa Julio II (pontífice entre 1503 y 1513) y fueron terminados en 1516. En la actualidad, el fresco más célebre es La escuela de Atenas (véase abajo), el cual muestra los eminentes filósofos, astrónomos y matemáticos de la Antigüedad. Julio II debió estar complacido con los resultados porque le encargó a Rafael que hiciera más frescos en el palacio, lo que realizó entre 1511 y 1514. Una de las secciones más admiradas por su colorido es la Misa de Bolsena. Ahora que ya estaba establecido como uno de los principales artistas del Renacimiento, Rafael estaba en gran demanda. Hizo dibujos preparatorios y los cartones para los tapices de la Capilla Sixtina y entre 1511 y 1513, pintó una serie de frescos de tema mitológico para la Villa Farnesina (ex Villa Chigi) en Roma. Uno de estos frescos, el Triunfo de Galatea, tiene como protagonista una nereida, cuyo nombre ilustra perfectamente la preocupación de Rafael por mostrar el orden y la armonía geométrica de la naturaleza. El historiador E. F. Price (Q.e.p.d.) lo resumió de la siguiente manera:

La cabeza de Galatea está en el ápice del triangulo. El horizonte divide la pintura en dos partes iguales, entrelazadas por círculos que se intersecan en una armonía musical; los tres ‘amorcillos’ que revolotean delinean una circunferencia en el círculo superior; las figuras que rodean a Galatea marcan la circunferencia inferior. En el centro racional de la naturaleza hay un hermoso ser humano. (p. 104)

Retratos y proyectos de arquitectura

Rafael no estaba en ningún modo limitado sólo a pintar paredes y sus pinturas de este período incluyen la Madona Sixtina (c. 1512). El artista continuó recibiendo encargos, especialmente de retratos, y entre estos se encuentra su influyente e íntima representación del papa Julio II, hecha alrededor de 1512, hoy día en la National Gallery de Londres, así como el retrato del cortesano Baltasar Castiglione (c. 1514) que hoy se encuentra en el Museo del Louvre en París (véase abajo). Aún más, Rafael combinó en un solo cuadro dos escritores venecianos en el Retrato de Navagero y Beazzano, hoy día en la Galería Doria Pamphili en Roma. Algunos historiadores del arte opinan que La Fornarina (la pequeña panadera), que fue pintada alrededor de 1518, muestra la mujer con quien Rafael mantenía una relación romántica, una idea sugerida por la firma del artista que aparece en el brazalete que ella lleva alrededor del brazo. Ahora esta pintura está en la Galería Nacional de Arte Antiguo de Roma.

Como muchos grandes hombres del Renacimiento, Rafael se dedicó con frecuencia a la arquitectura. Aún más, en 1514 al artista se le pidió hacer los planes para la Basílica de San Pedro en Roma, un proyecto que con el tiempo atrajo un gran número de artistas del Renacimiento. Este fue el comienzo de una relación beneficiosa con el papa León X (pontífice entre 1513 y 1521) quien consideraba a Rafael como uno de los artistas vivos más importantes. La buena relación que existía entre estos dos personajes quizás explique la idea común, aunque errónea, de que Rafael fue nombrado superintendente de antigüedades, un puesto prestigioso en la Ciudad del Vaticano. Rafael también se ocupó de obras en otros edificios como la Villa Madama (que nunca se completó), la capilla Chigi y la iglesia de san Eloy o san Eligio degli Orefici (orfebres), todos en Roma. A partir de 1517, Rafael vivió en Roma en un edificio clásico del Renacimiento, el Palacio Caprini, conocido informalmente como la «casa de Rafael», el cual fue diseñado por Donato Bramante (c. 1444-1514). El último proyecto de arquitectura realizado por Rafael fue el Palacio Bronconio dell’Aquilla (hoy ya no existe pues fue destruido), cuya rica decoración interior y mezcla deliberada de la disposición convencional y funcional de las columnas, nichos y frontones se convertirían en los primeros indicadores del nuevo estilo, el manierismo.

La demanda por las obras de Rafael era tan alta que tuvo que crear un inmenso taller donde las obras en curso de ejecución eran supervisadas y a veces hasta terminadas por sus asistentes, entre ellos su antiguo discípulo, Giulio Romano (c. 1499-1546), un célebre pintor y arquitecto por mérito propio. Esta idea del gran artista tan saturado de trabajo ha ciertamente mantenido ocupados desde entonces a los historiadores del arte. Rafael también se interesó vivamente en preservar el arte y rogó a los papas para que hicieran algo a fin de proteger la rica herencia de la Antigüedad romana. Rafael también tenía planes para producir un mapa detallado de todos los sitios antiguos de Roma, pero este nunca se materializó.

Trabajando sin cesar, Rafael produjo en sus últimos años en Roma obras maestras de arte como las pinturas del Éxtasis de Santa Cecilia y la Virgen de la silla. Esta última, que es una celebración al amor maternal, fue creada alrededor de 1514 y hoy día se encuentra en la Galería Uffizi en Florencia. Cuando Rafael murió tras una breve enfermedad, un Viernes Santo de 1520, el artista estaba trabajando, entre muchos otros proyectos en fase de ejecución, en la Transfiguración, pintura que le fue encargada por el cardenal Julio de Médici (más tarde papa Clemente VII, pontífice entre 1523 y 1534) para la catedral de Narbona en Francia. Como muchas de las últimas obras de Rafael, ésta fue terminada por uno de los asistentes de su taller, lo más probable es que haya sido Giulio Romano. Al término de la obra, la Transfiguración fue colocada sobre la tumba de Rafael en el Panteón de Roma.

Legado

La obra de Rafael ya era muy apreciada durante su vida, y pronto algunas piezas llegaron a formar parte de colecciones privadas, especialmente en Francia. La fama del artista se difundió por doquier gracias a las estampas hechas a partir de sus obras maestras, especialmente aquellas hechas por Marcantonio Raimondi (que murió alrededor de 1534); así, estas pudieron ser estudiadas por artistas localizados en otros lugares, particularmente en los Países Bajos. Existe documentación, por ejemplo en las notas de célebres figuras como Alberto Durero (1471-1528), entre otros, que confirman que la obra del maestro italiano ya era considerada significativa para el desarrollo del arte occidental. Durero estuvo dispuesto a intercambiar un portafolio con sus propios dibujos para así obtener representaciones hechas por el mismo Rafael. En particular, dibujos detallados de los frescos realizados por Rafael en el Vaticano fueron hechos para ser distribuidos entre aquellos que no podían admirarlos en persona. Mientras que los «cartones de Rafael» diseñados para ilustrar los Hechos de los Apóstoles fueron enviados a Bélgica para ser tejidos, las imágenes fueron copiadas para ser reproducidas.

Por su monumentalidad, movimiento audaz de las figuras, ilusión de espacio creada con esmero y armonía de la composición, todas las obras de Rafael fueron estudiadas y copiadas. Desde aquel entonces, todo esto ha influido en otros pintores, especialmente en los maestros flamencos. Algunos críticos de arte moderno consideran que su obra es «muy sentimental» para su gusto, pero esta es la contribución de Rafael al arte occidental. Para muchos historiadores, su muerte ha sido el acontecimiento que marca el fin del Alto Renacimiento.

Obras maestras

Los desposorios de la Virgen

El cuadro Los desposorios de la Virgen fue terminado alrededor de 1504. Es una pintura al óleo sobre tabla que mide 117 x 118 centímetros (46 x 46,5 pulgadas). Muestra el momento en que María y José intercambian anillos de matrimonio, lo que demuestra perfectamente el fuerte interés que Rafael tenía por colocar sus figuras armoniosamente dentro de una perspectiva definida. Gracias a las líneas que convergen en el pavimento y a las gradas en el plano medio, la mirada del espectador se dirige irresistiblemente hacia la puerta central de la iglesia que está abierta al fondo. La iglesia está dibujada con tanta precisión como si fuera un plano arquitectural y su cúpula simétrica contrasta con la sugestiva disposición semicircular de las figuras en el primer plano. Satisfecho de su obra, el artista puso su nombre y el año de realización sobre el arco central de la iglesia. Hoy día la pintura se encuentra en la Pinacoteca de Brera en Milán.

La deposición del cuerpo de Cristo

La deposición del cuerpo de Cristo fue un encargo de Atalanta Baglione de Perugia para conmemorar la muerte de su hijo Federico, apodado Grifonetto. La escena ilustra un grupo de figuras dispuestas alrededor del cuerpo inerte de Jesucristo que está en el centro, justo después de que fuera bajado de la cruz. María Magdalena se inclina sobre Jesús, mientras que las otras figuras están arregladas de manera que crean un movimiento que parece alejarlas de las figuras centrales. La torsión del cuerpo de Jesús y la tensión tangible en los músculos de los dos hombres que lo sostienen dan la impresión de que están participando en la escena que está en progreso. Toda la imagen es como una alusión al rescate del sarcófago romano que representa la muerte de Meleagro, cuya madre pertinentemente se llamaba Atalanta (Altea en español). Otra conexión real entre las dos historias es que Meleagro y Grifonetto fueron asesinados por sus familiares en un acto de venganza. Esta obra está pintada sobre una tabla y fue terminada en 1507; hoy día se encuentra en la Galería Borghese de Roma.

Baltasar Castiglione

Alrededor de 1514, el famoso cortesano, diplomático y autor Baltasar Castiglione le encargó a Rafael que pintara su retrato y el resultado es una de las obras más célebres en este género. La pintura al óleo capta el carácter bien conocido de Baltasar, como lo ha descrito el historiador del arte J. T. Paoletti:

Castiglione mira serena pero intensamente al espectador con sus ojos azul plateado, con absoluta compostura y confianza en sí mismo, lo que se manifiesta en sus manos firmemente entrecruzadas, mientras que se gira ligeramente en su axis para responder a la presencia del espectador. Tal como era la moda cortesana del siglo XVI, viste discretamente pero lleva un lujoso terciopelo negro, una pelliza color plata y seda blanca. Nada —ni una silla, ni una ventana, ni ninguna inscripción— distrae el foco de atención que es su cara, un ideal sutil, sofisticado e inteligente. (págs. 414-415)

La escuela de Atenas

Hecho en 1511, el fresco La escuela de Atenas está en las Stanze della Segnatura del Palacio Vaticano en Roma (que en aquel tiempo se usaba como biblioteca) y mide 5,79 metros (19 ft) de alto. Rafael pintó el salón entero de manera que diera la ilusión de distancia, pero en realidad las paredes son planas. Este fresco está dominado por las figuras centrales de Platón y Aristóteles, el primero sostiene una copia de su Timeo y está señalando con el dedo hacia el cielo; mientras que el segundo sostiene su Ética y apunta el dedo hacia abajo; cada gesto indica el enfoque del pensamiento filosófico de uno y otro. La imagen contiene, a grandes rasgos, todos los pensadores importantes de la Antigüedad, aparentemente ocupados en debatir sobre la naturaleza del universo desde el punto de vista del hombre, aunque algunas figuras como Pitágoras y Arquímedes están escribiendo frenéticamente. Aun Rafael está presente, el joven que mira directamente al espectador al lado de la figura de Ptolomeo que sujeta un globo.

Significativamente, en la pared opuesta del salón está La Disputa del Sacramento, también de Rafael, que es otro fresco que representa la figura de Dios acompañado de ángeles y rodeado de santos; todos flotan por encima de un grupo de teólogos destacados que están ocupados en una escena de debate similar a la de los filósofos. Los dos frescos encarnan uno de los interrogantes del Renacimiento, ¿cómo reconciliar el conocimiento científico del hombre, que con frecuencia es obtenido por los pensadores paganos, con la fe cristiana?