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Edgar Degas (1834-1917) fue un pintor impresionista francés que utilizó muchos medios diferentes para captar bailarinas, bañistas, carreras de caballos y escenas de la sociedad parisina de los cafés. Como buen fotógrafo, los cuadros de Degas suelen mostrar la vida real captada en un momento dado, a menudo con un punto de vista, una composición o un encuadre poco habituales, técnicas que influirán en artistas posteriores.
Los inicios de su carrera
Hilaire-Germain-Edgar De Gas (más conocido como Edgar Degas) nació el 19 de julio de 1834 en París. Sus padres eran burgueses adinerados especializados en la banca. El padre de Edgar, Auguste, era medio italiano y medio francés, mientras que su madre, Célestine Musson, era una criolla americana de ascendencia francesa procedente de Luisiana. El joven Edgar estudió en el Liceo Louis-le-Grand de París, donde obtuvo el bachillerato en literatura. En una familia ya bastante rica, pero con aspiraciones de ascender aún más socialmente, se lo animó a convertirse en el joven exitoso y a la moda de la época y a estudiar arte y música formalmente con varios tutores. También empezó a estudiar derecho, pero pronto quedó claro que el arte era su verdadero camino.
En 1855, Degas se matricula en la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes de París. Estudió y copió a los maestros antiguos en el Louvre, y en julio de 1856 fue a ver de primera mano el arte renacentista de Italia en un viaje que incluyó Florencia, Roma, Nápoles y Venecia. Dibujó el arte de la antigüedad, las obras del Renacimiento y el colorido local, y realizó su primer gran cuadro, La familia Bellelli, durante su estancia en Florencia con su tía Laura Bellelli en 1858.
De vuelta a París, Edgar recibió la tutoría de Louis Lamothe (1822-1869) y luego de Nicolas Soutzo (1834-1907). Esta educación artística tradicional llevó al joven Degas a intentar convertirse en un pintor histórico, es decir, un artista que representa grandes escenas religiosas o históricas como las que habían realizado los grandes artistas del Renacimiento. Entre sus obras de este género, que comparten la presentación del tema en forma de friso, se encuentran Jóvenes espartanos ejercitándose y Semiramis construyendo Babilonia, ambos pintados hacia 1861. Como es lógico, Degas continuó trabajando en los Jóvenes espartanos en los años siguientes.
Los retratos fueron otra vía que exploró, y aquí el artista tuvo más éxito en la consecución de sus objetivos. Interesado en dotar a su obra de un elemento psicológico y de profundidad, Degas a menudo pintó retratos dobles en los que las actitudes y las emociones se muestran marcadamente diferentes entre las dos personas del cuadro. Una característica recurrente de los retratos de Degas es el uso de un cuadro dentro del cuadro. Al igual que los artistas del Renacimiento, que utilizaban objetos como símbolos que podían transmitir una mayor profundidad de significado a un espectador conocedor, Degas solía incluir un cuadro notable que comentaba la personalidad de la persona retratada. Sin embargo, fue otra epopeya histórica, Escena de guerra medieval, la que le hizo llamar la atención del jurado del Salón de París en 1865.
Con el tiempo, insatisfecho con las limitaciones de estar demasiado atado al pasado o quizás sensible a los cambios en el arte contemporáneo, Degas se dedicará a captar la vida cotidiana tal y como se desarrolla en los círculos con los que estaba más familiarizado: el París burgués. Su primera obra que muestra esta transición, y en la que, sin embargo, sigue manteniendo un vínculo con el estilo pictórico histórico, es Mademoiselle Fiocre en el Ballet "La Source". La obra fue expuesta en el Salón de París de 1868. El artista estaba a punto de entrar de lleno en la modernidad para sus temas, pero la larga inmersión de Degas en el arte clásico y en los artistas neoclásicos más recientes, como Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780-1867), tendría un efecto duradero en la importancia que dio al dibujo, la forma y la composición, así como en el protagonismo que otorgó al desnudo femenino. Como Ingres le dijo a Degas: "Dibuja líneas, joven, muchas líneas" (Howard, 42). Este enfoque significaba que Degas era probablemente el mejor dibujante de todos los pintores impresionistas de su generación, un punto que muchos críticos señalaban.
El artista temperamental
Degas tenía un carácter complejo; incluso sus amigos artistas parecen haberlo encontrado exasperante en ocasiones, sobre todo porque su famoso ingenio podía tanto encantar como molestar. El historiador de arte V. Bouruet Aubertot hace el siguiente resumen del carácter de Degas:
Rudo pero sensible, arrogante y exigente, intransigente e inquieto, Edgar Degas era un hombre de paradojas... Mantenía amistades leales y se mantenía ferozmente independiente de los círculos oficiales y de las modas.
(312)
Degas tuvo la suerte de que la riqueza de su familia le permitió, durante la mayor parte de su carrera, no tener que ganarse la vida con su arte. En cuanto a las ventas al público, Degas primero fue conocido como retratista, y su estilo realista fue aclamado por la crítica. A diferencia de muchos otros impresionistas, creó un grupo de mecenas fieles que compraban sus obras. También compró obras de arte, sobre todo de pintores del siglo XIX y de otros impresionistas, y coleccionó marionetas napolitanas.
Edgar Degas: A Gallery of 30 Paintings
Compañeros impresionistas
En la década de 1860, un grupo de jóvenes artistas de vanguardia se reunía en los cafés de París. Discutieron apasionadamente sobre cuál debía ser la nueva dirección del arte, especialmente en el Café Guerbois y en otros de la zona de Batignolles de París. En este grupo se encontraban nombres tan conocidos como Paul Cézanne (1839-1906), Pierre-Auguste Renoir (1841-1919), Claude Monet (1840-1926) y Edouard Manet (1832-1883). A ellos se unieron también literatos como Émile Zola (1840-1902). Degas formó parte de este grupo, que llegó a ser conocido como "los Batignolles". A veces estaba un poco aislado del grupo, más por su propia actitud que por otra cosa, y no siempre se llevaba bien con Manet, el líder de facto, aunque ambos eran los más cercanos artísticamente. A Manet no le gustaba que Degas ampliara el grupo para incluir sangre nueva y artistas más interesados en el realismo que en el impresionismo.
Degas estaba especialmente unido a dos destacadas artistas femeninas: Mary Cassatt (1844-1926) y Berthe Morisot (1841-1895), a las que introdujo en el grupo impresionista. Esta última describió en una carta a Degas como "siempre el mismo, un poco loco, pero con un espíritu encantador" (Bouruet Aubertot, 314). Degas nunca se casó y mantuvo su vida privada en la intimidad, de modo que el único atisbo que tenemos de ella son algunos comentarios reservados de aquellos pocos amigos que se acercaron lo suficiente al artista como para ser invitados a sus estudios en Montmartre. Como dijo Degas en una ocasión: "El artista debe vivir apartado, su vida privada debe ser desconocida" (Roe, 35).
El grupo de artistas se disolvió en julio de 1870 con el estallido de la guerra franco-prusiana. Degas se alistó en la Guardia Nacional como voluntario para defender París durante el asedio de la capital; Manet hizo lo mismo. Degas siguió haciendo bocetos de sus colegas de la artillería francesa. A continuación se produjo una guerra civil que siguió interrumpiendo las carreras de todos. Era un buen momento para alejarse de la agitación, y en 1872, Degas se fue a Estados Unidos, navegando hasta Nueva Orleans para ver a la familia por parte de su madre. Allí creó una obra maestra moderna, su obra de 1873 El mercado del algodón, Nueva Orleans. La escena es una oficina bulliciosa con 13 personas, entre compradores, corredores y oficinistas, todos girando alrededor de una larga mesa central con capas de algodón.
De vuelta a París en tiempos de paz, en abril de 1874, los impresionistas organizaron su propia exposición independiente para desafiar el monopolio del Salón de París. Se trata de la primera exposición impresionista, en la que Degas está representado con diez cuadros, dibujos al pastel y bocetos. Volvió a aparecer en las siguientes cinco exposiciones impresionistas (1876-81) y a menudo fue uno de los artistas mejor recibidos por los críticos ultraconservadores.
Estilo e intereses de Degas
Degas pintó sobre temas muy diversos, pero hay algunos temas que se repiten en su obra. Le interesan especialmente los caballos, por lo que pasó mucho tiempo estudiándolos en los hipódromos de moda de París. El colorido del circo, el bullicio de la sociedad de los cafés y la solemnidad de la bolsa también le llamaron la atención. Un tema en particular parece haber cautivado al artista: el mundo del teatro, especialmente la ópera y el ballet. Otro tema común que interesaba al artista es la visión entre bastidores del espectáculo público: Degas era muy aficionado a mostrar a los caballos entre carreras y a las bailarinas en sus ensayos.
La década de 1860 fue la época dorada de las carreras de caballos, y el interés de Degas por plasmar con realismo los caballos de pura sangre puede rastrearse a través de sus bocetos hasta los primeros años de su carrera. Otra característica de este deporte que le interesaba mucho era la tensión que se vivía justo antes de que comenzara una carrera o después de una salida falsa. Muchos de sus cuadros siguen mostrando la calidad de los frisos que hemos señalado antes, pero ahora ha añadido la influencia de las estampas japonesas (muy populares en aquella época en Francia). Las escenas tienen puntos de corte, asimetría y perspectiva inusuales; son deliberadamente extravagantes, de modo que el equilibrio del cuadro está desviado, como si hubiera tomado una fotografía un segundo antes o un poco después. El efecto es dotar al cuadro de un nuevo realismo, literalmente una instantánea en pintura frente a una fotografía de estudio formal y posada. Un excelente ejemplo de esta técnica es Jockeys antes de la carrera (c. 1878-9).
Hoy en día, Degas es más famoso por sus numerosas representaciones de bailarinas. Cuando un amigo le preguntó por qué le parecía un tema tan intrigante, Degas respondió: "Porque... es todo lo que nos queda de los movimientos combinados de los griegos" (Kear, 46). En 1878, cuando la familia Degas entró en bancarrota, puede que también se haya añadido una razón más práctica para pintar bailarinas. Edgar no era un gran ahorrador, a pesar de su éxito, y su amor por el coleccionismo de arte significaba que ahora luchaba por los fondos. Las bailarinas eran un tema que podía vender a los conocedores del arte. Su cuadro más famoso sobre este tema es La estrella, de 1876 , en el que se ve a una sola bailarina desde arriba, como si se tratara de uno de los caros palcos. Al igual que en las carreras de caballos, las bailarinas suelen aparecer preparándose o recibiendo los aplausos del público, pero sin llegar a actuar. Al pintar a las bailarinas, Degas se vuelve más impresionista, captando la extraña luz artificial que proyectan las luces del escenario sobre las intérpretes. Las escenas entre bastidores de las bailarinas revelan a menudo los esfuerzos físicos y las pruebas mentales de los interminables ensayos de las bailarinas que querían llegar a la cima de su profesión.
La contraposición de los papeles de los hombres y las mujeres es un tema recurrente a lo largo de la carrera de Degas. Esto se puede ver en los retratos dobles, en el público masculino que observa a las bailarinas, o en el instructor masculino de una clase de ballet. La máxima expresión de este interés se puede ver en Interior, una obra que el artista siempre guardó para sí mismo para mostrar a los visitantes. Pintada hacia 1868, pero con ajustes posteriores, la escena de Interior presenta una relación desconocida entre un hombre y una mujer en un dormitorio. En el sentido más estricto, pues, no se trata de un cuadro de género en el que se explica claramente al espectador una narración (aunque se deje un poco ambigua). Sin embargo, el propio Degas se refería a menudo a él como "mi cuadro de género" (Kear, 40). El artista nunca dijo a sus visitantes lo que significaba la escena, ya que, como declaró en una ocasión, "un cuadro exige cierto misterio, cierta vaguedad, cierta fantasía" (Kear, 41)
Aunque formaba parte del grupo de los impresionistas, Degas era un pintor algo diferente; de hecho, prefería calificar al grupo de artistas de vanguardia como "pintores independientes", ya que ningún estilo se adaptaba a todos. Degas prefería el método tradicional de dibujar una escena y pintarla en la comodidad del estudio que el típico enfoque impresionista de pintar al aire libre (en plein air). Como declaró en una ocasión, "usted necesita luz natural, pero yo necesito una luz artificial" (Bouruet Aubertot, 313). Degas solía calcar dibujos de figuras y juntar varias combinaciones para crear una nueva composición. Por ello, a veces es posible ver la pose de una bailarina en una de sus obras con bañistas. Degas sigue siendo, como los antiguos maestros, un firme defensor de la necesidad de un buen trazo y de un buen dibujo. El impresionismo de Degas no se centraba en captar el juego temporal de la luz sobre los colores, sino en captar una persona o una escena de forma novedosa. En definitiva, al igual que otros miembros del grupo, veía las limitaciones de un enfoque puramente impresionista, sobre todo en temas que requerían una mayor proximidad a la realidad.
Degas se interesó mucho por la fotografía y fue uno de los pocos que vio que esta era, de hecho, toda una nueva forma de arte en sí misma. Él mismo tomaba fotos y, a partir del repertorio del fotógrafo, Degas aplicaba ideas como el encuadre novedoso, no tener el sujeto en el centro y dar una perspectiva elevada. De este modo, el pintor dio a su obra una sensación de movimiento y realismo.
A Degas también le gustaba probar diferentes medios. Además de los óleos, utilizaba con frecuencia el guache, es decir, óleos diluidos que hacían que la obra se pareciera más a una acuarela. A menudo utilizaba el pastel y, durante un tiempo, estudió a fondo el arte del grabado y la impresión de monotipos. Solía combinar el monotipo y el pastel en el mismo cuadro. También esculpió con cera, arcilla y yeso, sobre todo hacia el final de su carrera, cuando le fallaba la vista, y plasmó poses del cuerpo humano. Una de sus esculturas más célebres es La pequeña bailarina de catorce años, creada hacia 1878.
Carrera posterior
Degas estuvo representado en la exposición impresionista del Hôtel du Grand Miroir de Bruselas en 1885. A partir de ese momento, el artista entra en una nueva fase en la que se concentra menos en las escenas de la vida cotidiana de París y mucho más en la forma estética en su obra y en la captación de la forma del cuerpo humano, típicamente como se ve en bailarinas y bañistas. Una obra célebre de esta nueva fase es La bañera, de 1886, que muestra a una mujer bañándose desde un inusual punto de vista elevado y con la escena cortada verticalmente por una repisa. Este cuadro, al igual que otras obras similares, llama la atención por la falta de distancia que Degas establece entre el espectador y el sujeto.
Muchos de estos estudios femeninos posteriores no otorgan ningún carácter individual a la mujer retratada, lo que alimentó la ya de por sí humeante reputación de Degas como misógino. Otros consideran que este anonimato (apenas vemos el rostro) es un método para eliminar cualquier deseo sensual, de modo que el espectador, que sigue siendo un mirón, es ahora solo un admirador de la forma femenina universal ocupado en una tarea diaria funcional. La mujer en la que se centran estas obras ignora por completo que no está sola; sabemos que es una modelo de artista y, sin embargo, no está haciendo lo que suelen hacer las modelos de artista. Al igual que en el caso de las carreras y las bailarinas, se nos ofrece una visión de la vida entre bastidores.
En 1889 el artista viaja a España y Marruecos. En 1892 visitó Suiza y el suroeste de Francia. Ese año organiza una nueva exposición en París, sorprendiendo a todo el mundo con su regreso a los paisajes. Estas obras tienen varias similitudes: utilizan pasteles, no aparecen personas, están creadas en el estudio y tienen un aspecto algo borroso (lo que llevó a un crítico a compararlas con vistas desde un tren rápido). Parecen un ejercicio de presentación de tonos armoniosos de color, por lo que el paisaje físico parece en gran medida irrelevante.
En 1896, Degas expuso sus fotografías y continuó con sus obras al pastel y la escultura, pero su vista debilitada hizo que disminuyeran su producción y la cantidad de apariciones públicas. En el siglo XX, el artista lleva una vida retirada, pero su reputación no deja de crecer en el mundo exterior. En 1911, el Louvre adquiere 19 obras de Degas, un honor que normalmente solo se concede tras la muerte de un artista. Quizás, desde el punto de vista creativo, Degas ya lo había hecho.
Muerte y legado
Edgar Degas, a la edad de 83 años, murió el 27 de septiembre de 1917 en su apartamento de París. Fue enterrado en el cementerio de Montmartre. Nunca se casó ni tuvo hijos, como él mismo dijo en una ocasión: "Existe el amor y el arte y solo tenemos un corazón" (Kear, 66). Degas había disfrutado de una larga carrera y obtuvo más reconocimiento que la mayoría de los artistas de su generación. Camille Pissarro había escrito una vez en una carta: "Degas es sin duda alguna el más grande artista de nuestro tiempo" (Kear, 86). También era muy admirado por la siguiente generación de artistas, especialmente Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901). Los conocimientos de Degas sobre la historia del arte, su maestría en el dibujo, sus innovaciones y su defensa de la vida cotidiana fueron ingredientes esenciales de lo que se conoce como arte moderno. Los inusuales puntos de vista, los extraños efectos de la iluminación y la tensión psicológica que impregnan las obras de Degas siguen fascinando e inspirando hoy en día, al igual que lo hicieron hace más de un siglo.
