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Edgar Degas (1834-1917) était un peintre impressionniste français qui fit usage de nombreux supports différents pour capturer des danseuses, des baigneuses, des courses de chevaux et des scènes de la société des cafés parisiens. Passionné de photographie, les tableaux de Degas montrent souvent la vie réelle capturée à un moment donné, souvent avec un point de vue, une composition ou un cadrage inhabituels - autant de techniques qui influenceront les artistes ultérieurs.
Début de carrière
Hilaire-Germain-Edgar De Gas (plus connu sous le nom d'Edgar Degas) naquit le 19 juillet 1834 à Paris. Ses parents étaient de riches bourgeois spécialisés dans le secteur bancaire. Le père d'Edgar, Auguste, était moitié italien et moitié français, tandis que sa mère, Célestine Musson, était une créole américaine d'origine française, originaire de Louisiane. Le jeune Edgar étudia au Lycée Louis-le-Grand à Paris et obtint son baccalauréat littéraire. Dans une famille déjà assez riche mais qui aspirait à s'élever encore plus haut socialement, Edgar fut encouragé à devenir le jeune homme accompli et à la mode de l'époque et à étudier formellement l'art et la musique sous la direction de divers tuteurs. Il commença également à étudier le droit, mais il devint rapidement évident que l'art était sa véritable voie.
En 1855, Degas s'inscrivit à l'École des Beaux-Arts de Paris. Il étudia et copia les maîtres anciens au Louvre et, en juillet 1856, il partit à la découverte de l'art de la Renaissance en Italie lors d'un voyage qui le mena à Florence, Rome, Naples et Venise. Il fit des croquis de l'art de l'Antiquité, des œuvres de la Renaissance, des couleurs locales, et il réalisa son premier grand tableau, La Famille Bellelli, alors qu'il séjournait chez sa tante Laura Bellelli à Florence en 1858.
De retour à Paris, Edgar reçut l'enseignement de Louis Lamothe (1822-1869) puis de Nicolas Soutzo (1834-1907). Cette éducation artistique traditionnelle conduisit le jeune Degas à tenter de devenir un peintre d'histoire, c'est-à-dire un artiste qui représente de grandes scènes religieuses ou historiques comme l'avaient fait les grands artistes de la Renaissance. Parmi les exemples de ses œuvres dans ce genre, qui partagent une présentation du sujet sous forme de frise, on peut citer Jeunes Spartiates s'exerçant et Sémiramis construisant Babylone, tous deux peints vers 1861. Degas continuerait à travailler sur les Jeunes Spartiates les années suivantes.
Les portraits étaient une autre voie qu'il explora, et l'artiste réussit mieux à atteindre ses objectifs. Soucieux de donner à ses œuvres un élément psychologique et une profondeur, Degas peignit souvent des doubles portraits où les attitudes et les émotions sont nettement différentes entre les deux personnages du tableau. Une caractéristique récurrente des portraits de Degas est l'utilisation d'un tableau dans le tableau. À l'instar des artistes de la Renaissance qui utilisaient des objets comme symboles susceptibles de transmettre une signification plus profonde à un spectateur averti, Degas incluait souvent un tableau remarquable qui commentait la personnalité de la personne représentée. Cependant, ce serait une autre épopée historique, Scène de guerre au Moyen-Âge, qui lui vaudrait d'être remarqué par le jury du Salon de Paris en 1865.
Finalement, insatisfait des limites liées au passé ou sensible aux changements dans l'art contemporain, Degas se tourna plutôt vers la capture de la vie quotidienne telle qu'elle se déroulait dans le milieu qui lui était le plus familier : le Paris bourgeois. Sa première œuvre qui témoigne de cette transition, et dans laquelle il conserve pourtant un lien avec le style de peinture historique, est Mademoiselle Fiocre dans le ballet "La Source". Cette œuvre fut exposée au Salon de Paris de 1868. L'artiste était sur le point d'entrer pleinement dans la modernité pour ses sujets, mais la longue immersion de Degas dans l'art classique et les artistes néoclassiques plus récents comme Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780-1867) allait avoir un effet durable sur l'importance qu'il accordait au dessin, à la forme et à la composition, ainsi que sur la prééminence qu'il accordait au nu féminin. Comme Ingres l'avait dit à Degas : "Dessinez des lignes, jeune homme, beaucoup de lignes" (Howard, 42). Cet accent fit de Degas le meilleur dessinateur de tous les peintres impressionnistes de sa génération, un point relevé par de nombreux critiques.
L'artiste caractériel
Degas avait un caractère complexe ; même ses amis artistes semblent l'avoir parfois trouvé exaspérant, d'autant plus que son célèbre esprit pouvait à la fois charmer et casser. L'historien de l'art V. Bouruet Aubertot donne le résumé suivant du caractère de Degas :
A la fois bourru et sensible, arrogant et perspicace, intransigeant et inquiet, Edgar Degas était un homme de paradoxes... Il entretenait des amitiés fidèles et se tenait farouchement indépendant des milieux officiels et des modes.
(312)
Degas eut la chance que la richesse de sa famille lui permette, pendant la majeure partie de sa carrière, de ne pas vivre de son art. En termes de ventes au public, Degas se fit d'abord un nom en tant que portraitiste, et son style réaliste fut acclamé par la critique. Contrairement à de nombreux autres impressionnistes, il se constitua un groupe fidèle de mécènes qui achetaient ses œuvres. Il achetait aussi lui-même des œuvres d'art, notamment des peintres du XIXe siècle et d'autres impressionnistes, et il collectionnait les marionnettes napolitaines.
Edgar Degas: A Gallery of 30 Paintings
Les autres impressionnistes
Dans les années 1860, un groupe de jeunes artistes d'avant-garde traînait ensemble dans les cafés de Paris. Ils discutaient avec passion de ce que devait être la nouvelle orientation de l'art, notamment au café Guerbois et dans d'autres cafés du quartier des Batignolles à Paris. Ce groupe comprenait de futurs noms connus comme Paul Cézanne (1839-1906), Pierre-Auguste Renoir (1841-1919), Claude Monet (1840-1926) et Edouard Manet (1832-1883). Ils étaient également rejoints par des hommes de lettres comme Émile Zola (1840-1902). Degas faisait partie de ce groupe que l'on appelle "les Batignolles". Il était parfois un peu isolé du groupe, plus par son propre comportement que par autre chose, et il ne s'entendait pas toujours avec Manet, le chef de file de facto, même si les deux hommes étaient les plus proches artistiquement parlant. Manet n'appréciait pas l'élargissement du groupe par Degas à du sang neuf et à des artistes plus intéressés par le réalisme que par l'impressionnisme.
Degas était particulièrement proche des deux artistes féminines les plus importantes : Mary Cassatt (1844-1926) et Berthe Morisot (1841-1895), qu'il présenta toutes deux au groupe impressionniste. Cette dernière décrivit un jour Degas dans une lettre comme "toujours le même, un peu fou, mais charmant d'esprit" (Bouruet Aubertot, 314). Degas ne se maria jamais et garda sa vie privée privée, de sorte que le seul aperçu que nous en avons est constitué par quelques commentaires prudents de ces quelques amis qui s'étaient suffisamment rapprochés de l'artiste pour être invités dans ses ateliers de Montmartre. Comme Degas l'avait dit un jour, "L'artiste doit vivre à l'écart, sa vie privée doit être inconnue" (Roe, 35).
Le groupe d'artistes se sépara en juillet 1870, lorsque la guerre franco-prussienne éclata. Degas s'engagea comme volontaire dans la Garde nationale pour défendre Paris pendant le siège de la capitale ; Manet en fit de même. Degas continua à faire des croquis de ses collègues de l'artillerie française. S'ensuivit une guerre civile qui continua d'interrompre les carrières de chacun. C'était le bon moment pour s'éloigner de l'agitation, et en 1872, Degas se rendit aux États-Unis, naviguant jusqu'à la Nouvelle-Orléans pour voir sa famille maternelle. C'est là qu'il créa un chef-d'œuvre moderne, son tableau de 1873, Le Bureau de Coton à la Nouvelle-Orléans. La scène est un bureau animé par 13 personnes, dont des acheteurs, des courtiers et des employés de bureau, qui tournent tous autour d'une longue table centrale recouverte de coton.
De retour à Paris en temps de paix, en avril 1874, les impressionnistes organisèrent leur propre exposition indépendante pour contester le monopole du Salon de Paris. Ce fut la première exposition impressionniste, et Degas y était représenté avec dix peintures, des dessins au pastel et des esquisses. Il réapparut lors des cinq expositions impressionnistes suivantes (1876-81) et fut souvent l'un des artistes les mieux accueillis par les critiques ultra-conservateurs.
Le style et les centres d'intérêt de Degas
Degas peignit sur des sujets très divers, mais certains thèmes revenaient sans cesse dans son œuvre. Il s'intéressait particulièrement aux chevaux et passait donc beaucoup de temps à les étudier dans les hippodromes à la mode de Paris. Les couleurs du cirque, l'agitation des cafés et la solennité de la Bourse attiraient également son attention. Un sujet par-dessus tout semble avoir captivé l'artiste, à savoir le monde du théâtre, en particulier l'opéra et le ballet. Un autre thème commun qui intéressait l'artiste était la vue des coulisses d'un spectacle public : Degas aimait beaucoup montrer les chevaux entre deux courses et les ballerines lors de leurs répétitions.
Les années 1860 étaient l'âge d'or des courses de chevaux, et l'intérêt de Degas pour la représentation réaliste des pur-sang peut être retracé dans ses croquis dès les premières années de sa carrière. Une autre caractéristique de ce sport qui l'intéressait beaucoup était la tension qui régnait juste avant le début d'une course ou après un faux départ. Nombre de ses tableaux présentent encore le caractère de frise que nous avons noté précédemment, mais il y ajouta l'influence des estampes japonaises (très populaires à l'époque en France). Les scènes présentent des coupures, des asymétries et des perspectives inhabituelles ; elles sont délibérément excentriques de sorte que l'équilibre du tableau est déséquilibré, comme s'il avait pris une photographie une seconde trop tôt ou un peu trop tard. L'effet est de donner au tableau un nouveau réalisme, littéralement un instantané en peinture par opposition à une photographie de studio formelle et posée. Jockeys avant la course (vers 1878-1879) est un excellent exemple de cette technique.
Degas est aujourd'hui surtout célèbre pour ses nombreuses représentations de ballerines. À un ami qui lui demandait pourquoi ce sujet l'intriguait tant, Degas répondit : " Parce que... c'est tout ce qui nous reste des mouvements combinés des Grecs " (Kear, 46). En 1878, lorsque la famille Degas fit faillite, il se peut que s'y ajouta une raison plus pratique dans sa peinture de ballerines. Edgar n'était pas un grand économe, malgré son succès, et son amour pour la collection d'art signifiait qu'il avait désormais du mal à trouver des fonds. Les ballerines étaient un sujet qu'il pouvait vendre aux connaisseurs d'art. Son tableau le plus célèbre sur ce thème est L'Étoile (1876), où une seule danseuse est vue d'en haut, comme depuis l'une des loges les plus chères. Comme dans le cas des courses de chevaux, les ballerines sont souvent représentées en train de se préparer ou de recueillir les applaudissements du public, mais pas en train de danser. En peignant les ballerines, Degas fut plus impressionniste que jamais, capturant l'étrange lumière artificielle projetée par les projecteurs de la scène sur les interprètes. Les coulisses des danseuses révèlent souvent les tensions physiques et les épreuves mentales des répétitions interminables pour des danseuses qui voulaient atteindre le sommet de leur profession.
Le contraste entre les rôles des hommes et des femmes est un thème récurrent dans la carrière de Degas. On peut le voir dans des portraits doubles, un public masculin regardant des danseuses, ou un instructeur masculin dans un cours de ballerine. L'expression ultime de cet intérêt se trouve dans Intérieur, une œuvre que l'artiste gardait toujours pour lui afin de la montrer aux visiteurs. Peinte vers 1868 mais ayant fait l'objet de retouches ultérieures, la scène d'Intérieur présente une relation inconnue entre un homme et une femme dans une chambre à coucher. Il ne s'agit donc pas, au sens strict, d'une peinture de genre où une narration est clairement expliquée au spectateur (même si elle reste un peu ambiguë). Néanmoins, Degas lui-même l'appelait souvent "mon tableau de genre" (Kear, 40). L'artiste ne disait jamais à ses visiteurs ce que la scène signifiait, car, comme il l'a déclaré un jour, " un tableau appelle un certain mystère, un certain flou, une certaine fantaisie " (Kear, 41).
Bien que faisant partie du groupe impressionniste, Degas était un peintre légèrement différent - en fait, il préférait qualifier le groupe d'artistes d'avant-garde de "peintres indépendants", car aucun style ne leur convenait à tous. Degas préférait la méthode traditionnelle consistant à esquisser une scène et à la peindre dans le confort de l'atelier plutôt que l'approche impressionniste typique consistant à peindre en plein air. Comme il l'a déclaré un jour, "vous avez besoin d'une lumière naturelle, mais moi j'ai besoin d'une lumière artificielle" (Bouruet Aubertot, 313). Degas traçait souvent des dessins de figures et assemblait diverses combinaisons pour créer une nouvelle composition. Ainsi, il est parfois possible de voir la pose d'une ballerine dans une de ses œuvres représentant des baigneurs. À l'instar des maîtres anciens, Degas reste un fervent défenseur de la nécessité d'une bonne ligne et d'un bon dessin. L'impressionnisme de Degas ne se concentre pas sur la capture du jeu temporaire de la lumière sur les couleurs, mais sur la capture d'une personne ou d'une scène d'une manière novatrice. En bref, comme plusieurs autres membres du groupe, il voyait les limites d'une approche purement impressionniste, en particulier pour les sujets nécessitant une plus grande proximité avec la réalité.
Degas s'était beaucoup intéressé à la photographie et fut l'un des rares à voir qu'il s'agissait, en fait, d'une toute nouvelle forme d'art en soi. Il prenait lui-même des photos et, à partir du répertoire du photographe, Degas appliquait des idées telles que le cadrage original, le fait de ne pas placer le sujet au centre de l'image et de donner une perspective élevée. De cette façon, le peintre donna à son œuvre un sens du mouvement et du réalisme.
Degas aimait aussi essayer différents supports. Outre la peinture à l'huile, il utilisait fréquemment la gouache, c'est-à-dire des huiles diluées qui donnaient à l'œuvre un aspect plus proche de l'aquarelle. Il utilisait souvent des pastels, et pendant une période, il étudia en profondeur l'art de la gravure et de l'impression monotype. Il combinait souvent le monotype et le pastel dans un même tableau. Il fut également sculpteur, en particulier vers la fin de sa carrière lorsque sa vue baissa, utilisant principalement la cire, l'argile et le plâtre pour capturer des poses du corps humain. L'une de ses sculptures les plus célèbres est La Petite Danseuse de Quatorze Ans, créée vers 1878.
Fin de carrière
Degas fut représenté à l'exposition impressionniste de l'Hôtel du Grand Miroir à Bruxelles en 1885. C'est à partir de cette époque que l'artiste entra dans une nouvelle phase où il se concentra moins sur les scènes de la vie quotidienne à Paris et beaucoup plus sur l'esthétique de la forme dans son travail et la capture de la forme du corps humain, typiquement comme on le voit chez les danseurs et les baigneurs. Une œuvre célèbre de cette nouvelle phase est Le Tub de 1886, qui montre une femme se baignant d'un point de vue inhabituellement élevé et dont la scène est coupée verticalement par une étagère. Cette peinture, ainsi que d'autres œuvres similaires, est frappante par le manque de distance que Degas établit entre le spectateur et le sujet.
Nombre de ces études féminines tardives ne donnent aucun caractère individuel à la femme représentée, ce qui ne fit qu'alimenter la réputation de misogyne de Degas qui couvait déjà. D'autres considèrent cet anonymat - nous ne voyons presque jamais le visage - comme une méthode permettant d'éliminer tout désir sensuel, de sorte que le spectateur, qui reste un voyeur, n'est plus qu'un admirateur de la forme féminine universelle occupée à une tâche quotidienne fonctionnelle. La femme qui est au centre de ces œuvres ignore complètement qu'elle n'est pas seule ; nous savons qu'elle est un modèle d'artiste, et pourtant elle ne fait pas ce que les modèles d'artistes font habituellement. Comme pour les courses et les ballerines, nous avons un aperçu des coulisses de la vie.
En 1889, l'artiste voyagea en Espagne et au Maroc. En 1892, il visita la Suisse et le sud-ouest de la France. Cette année-là, il organisa une nouvelle exposition à Paris, surprenant tout le monde par son retour aux paysages. Ces œuvres présentaient plusieurs similitudes : elles utilisaient des pastels, aucune personne n'était représentée, elles avaient été réalisées en atelier, elles avaient un aspect un peu flou (ce qui amena un critique à les comparer à des vues d'un train rapide). Elles semblent être un exercice de présentation de tons harmonieux de couleurs, et le paysage physique semble donc largement immatériel.
En 1896, Degas exposa ses photographies et poursuivit ses travaux de pastel et de sculpture, mais sa vue défaillante entraîna un déclin de sa production et du nombre de ses apparitions publiques. Au début du XXe siècle, l'artiste menait une vie retirée, mais sa réputation ne cessait de croître dans le monde extérieur. En 1911, le Louvre acquit 19 des œuvres de Degas, un honneur qui n'était généralement accordé qu'après la mort d'un artiste ; peut-être que, sur le plan créatif, Degas était-il déjà mort.
Mort et héritage
Edgar Degas mourut le 27 septembre 1917, à l'âge de 83 ans, dans son appartement à Paris. Il fut enterré au cimetière de Montmartre. Il ne s'était jamais marié ni n'avait eu d'enfants, comme il l'avait dit lui-même : "Il y a l'amour et il y a l'art et nous n'avons qu'un seul cœur" (Kear, 66). Degas connut une longue carrière et fut plus reconnu que la plupart des autres artistes de sa génération. Camille Pissarro avait écrit un jour dans une lettre : "Degas est sans aucun doute le plus grand artiste de notre temps" (Kear, 86). Il était également très admiré par la génération suivante d'artistes, notamment Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901). La connaissance de l'histoire de l'art, la maîtrise du dessin, les innovations et la défense de la vie quotidienne de Degas sont autant d'ingrédients essentiels de ce que l'on appelle désormais l'art moderne. Les points de vue inhabituels, les effets d'éclairage bizarres et la tension psychologique qui imprègnent les œuvres de Degas font qu'elles continuent de fasciner et d'inspirer aujourd'hui comme il y a plus d'un siècle.
