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L'impressionnisme est un mouvement artistique qui vit le jour à Paris dans le dernier quart du XIXe siècle. Les impressionnistes tentaient de capturer les effets momentanés de la lumière sur les couleurs et les formes, en peignant souvent en plein air. Ils utilisaient fréquemment des couleurs vives et une application épaisse pour capturer des paysages et la vie quotidienne contemporaine dans les cafés, au théâtre et sur les boulevards de Paris.
Le terme "impressionnisme"
Le terme "impressionnisme" est une étiquette utile mais ambiguë qui peut être appliquée à un groupe d'artistes des années 1860 qui peignaient en France, en particulier à Paris. Il fut inventé par le critique Louis Leroy après avoir vu une œuvre de Claude Monet (1840-1926) lors de la première exposition impressionniste à Paris en avril 1874. Le tableau s'intitulait Impression, soleil levant et montrait une vue du port industriel du Havre avec un soleil orange vif se reflétant dans des eaux violettes. Leroy et d'autres critiques appliquèrent alors le terme "impressionnisme" à de nombreuses œuvres exposées, dont les formes étaient vagues et les coups de pinceau très évidents.
Au départ, le terme "impressionnisme" était donc péjoratif et utilisé par certains critiques d'art conservateurs pour ridiculiser ce nouveau style artistique. Cependant, les artistes concernés (ou la plupart d'entre eux) adoptèrent rapidement le terme pour se décrire et décrire leurs expositions indépendantes, même si personne ne put s'accorder sur la signification exacte du terme. L'"impressionnisme" reste une étiquette générale utile qui rend bien compte de l'essentiel de ce que ces artistes essayaient de peindre, à savoir les effets momentanés de la lumière et des couleurs plutôt que des reproductions précises, de type photographique, de la réalité (les photographies étaient devenues populaires à partir des années 1820). Ils essayaient de créer une impression de la réalité, ou plus précisément, leur impression individuelle de la réalité qu'ils voyaient.
Le terme "impressionnisme" a ses limites. Les spécialistes de l'art débattent de la date exacte, du style et des personnes auxquelles ce terme peut s'appliquer. Les artistes qui furent appelés impressionnistes étaient souvent très différents. Des peintres comme Pierre-Auguste Renoir (1841-1919), Edgar Degas (1834-1917), Edouard Manet (1832-83) et Gustave Caillebotte (1848-1896), par exemple, s'intéressaient souvent à la forme et à la composition et utilisaient des coups de pinceau moins visibles. Cela contraste avec les effets brumeux produits par des artistes comme Monet, Alfred Sisley (1839-1899), Camille Pissarro (1830-1903) et Paul Cézanne (1839-1906). Tous ces artistes pouvaient peindre de manière traditionnelle, comme le montrent leurs œuvres antérieures, mais certains étaient définitivement plus "impressionnistes" que d'autres.
50 Impressionist Paintings that Changed Art Forever
Pour compliquer davantage l'utilisation du terme, l'impressionnisme implique également une nouvelle approche des sujets et des couleurs utilisées. Les palettes plus vives souvent utilisées étaient très différentes de la peinture traditionnelle mais, d'un autre côté, certains artistes impressionnistes utilisaient délibérément des tons plus discrets. L'utilisation de couleurs plus pures était une autre caractéristique. Les impressionnistes se distinguaient par leur intérêt pour la représentation de la vie quotidienne, des classes pauvres et des paysages, mais là encore, ce n'était pas toujours le cas. Enfin, un élément important du processus de production d'un tableau pour de nombreux impressionnistes était de peindre le sujet en plein air, ce qui était désormais possible grâce à l'invention de tubes d'étain portables avec un bouchon à vis contenant de la peinture prête à l'emploi (auparavant, les artistes devaient broyer leurs propres pigments). Mais là encore, certains artistes préféraient continuer à travailler uniquement dans leur atelier, et même les partisans inconditionnels du plein air continuaient à peaufiner leurs toiles dans leur atelier. En résumé, le terme "impressionnisme" désigne l'art produit entre les années 1860 et la fin du XIXe siècle, qui remettait en question les conventions des beaux-arts traditionnels, un défi lancé par différents artistes et de différentes manières.
Le style impressionniste
Les éléments distincts du style impressionniste peuvent être résumés comme suit :
- Un intérêt pour la capture des effets fugaces de la lumière et de la couleur sur un sujet particulier.
- Une gamme de couleurs plus vive et plus large que celle utilisée auparavant.
- L'utilisation de coups de pinceau évidents de formes diverses en tant qu'effet en soi.
- Un cadrage innovant d'un sujet, coupant souvent brusquement les personnes et l'architecture.
- Un traitement innovant de la perspective, déformant souvent délibérément la réalité.
- L'accent mis sur la vie quotidienne contemporaine et les gens de toutes classes, par opposition aux thèmes mythologiques et religieux.
- La peinture en plein air pour mieux saisir les conditions de lumière qui changent rapidement.
Toutes ces caractéristiques ne sont pas nécessairement présentes dans une même œuvre d'art.
Comme tout autre style artistique, l'impressionnisme n'est pas né de nulle part. Les artistes impressionnistes ont été inspirés par certains de leurs prédécesseurs des beaux-arts, comme William Turner (1775-1851) pour ses formes vagues, Eugène Delacroix (1798-1863) pour son utilisation de couleurs vives et Gustave Courbet (1819-1877) pour son application inhabituellement épaisse de la peinture.
Les impressionnistes fusionnèrent ces différentes idées en une seule technique et s'inspirèrent également les uns des autres, encourageant les amis du groupe à essayer différentes méthodes, sujets et palettes. Il était fréquent que deux ou plusieurs artistes travaillent ensemble, voire peignent la même scène en même temps, comme ce fut le cas à plusieurs reprises avec Renoir et Monet ou Cézanne et Pissarro. La plupart des artistes virent également leur style évoluer au cours de leur carrière. Pissarro s'essaya au pointillisme (voir ci-dessous), Degas s'intéressa aux perspectives alternatives, Caillebotte abandonna ses coups de pinceau lisses pendant une période, et l'œuvre de Cézanne devint de plus en plus abstraite et ses formes plus géométriques à mesure qu'il vieillissait. Monet devint très certainement l'impressionniste le plus célèbre de son vivant, mais Cézanne déclara un jour que Pissarro était "le premier impressionniste" (Shikes, 78). Il est donc difficile de dire qui lança le style impressionniste car, en réalité, il évolua dans les œuvres de plusieurs peintres en même temps. En outre, il y avait, bien sûr, des artistes en dehors de la France qui expérimentaient également de nouvelles approches de l'art.
Les impressionnistes
Ce que nous appelons aujourd'hui les premiers impressionnistes était un groupe d'artistes d'avant-garde partageant les mêmes idées et fréquentant les mêmes cafés et restaurants à Paris. De nouveaux membres, y compris des peintres non français, arrivèrent ensuite par le biais d'amitiés et le groupe s'agrandit donc au fil du temps. De nombreux artistes se déplacèrent également pour trouver une nouvelle inspiration dans des endroits tels que le sud de la France ou la Bretagne. Le groupe comprenait aussi deux femmes artistes, Berthe Morisot (1841-1895) et Mary Cassatt (1844-1926), à une époque où un tel choix de carrière était très peu conventionnel.
La plupart des impressionnistes avaient étudié l'art dans des écoles conventionnelles sous la direction d'artistes respectés, mais ils rompirent avec les règles que leurs tuteurs leur avaient demandé de respecter. Déterminés à faire connaître leurs œuvres novatrices en dehors du seul lieu de diffusion des beaux-arts, le conservateur Salon de Paris, ils organisèrent les expositions impressionnistes de Paris en 1874-86. Ces expositions irritèrent bon nombre de critiques d'art et ne générèrent pas beaucoup de ventes, mais au moins les impressionnistes furent remarqués. Certains des artistes, comme Degas et Caillebotte, disposaient d'un revenu indépendant, mais d'autres, comme Monet et Renoir, étaient obligés de gagner de l'argent avec leur art, sous peine de ne pas avoir de quoi manger (ni de quoi peindre des natures mortes). Heureusement, les artistes les plus riches aidaient souvent les plus pauvres, en achetant leurs tableaux et même en payant leur loyer à l'occasion. Il y avait aussi un petit nombre de collectionneurs comme Victor Chocquet (1821-1891) et le Dr Paul Gachet (1828-1909) qui avaient la clairvoyance de voir que ces œuvres avaient une énorme valeur culturelle, sinon à l'époque, du moins dans le futur. Et ils avaient vu juste! L'une des grandes ironies de l'art impressionniste est que les tableaux qui se vendent aujourd'hui à des dizaines de millions de dollars furent souvent créés par des artistes qui ne pouvaient même pas s'offrir les peintures et les toiles nécessaires à la réalisation de leurs visions.
Les néo-impressionnistes
De même que les impressionnistes remirent en question les conventions de l'art traditionnel, une jeune génération d'artistes vint remettre en question les conventions de l'impressionnisme. Tout d'abord, des artistes comme Georges Seurat (1859-1891) et Paul Signac (1863-1935) développèrent le pointillisme où la peinture était appliquée par petits points et selon des théories scientifiques sur les spectres de couleurs et les effets de lumière. Puis, à partir du milieu des années 1880, des artistes comme Vincent van Gogh (1853-90) et Paul Gauguin (1848-1903) devinrent encore plus audacieux dans leur utilisation des couleurs. Ils utilisaient délibérément des couleurs contrastées mais complémentaires (par exemple, bleu et jaune ou rouge et vert) et des contours noirs audacieux pour obtenir un effet dramatique. Ils utilisaient les "mauvaises" couleurs aux "mauvais" endroits, montrant délibérément au spectateur ce qu'il ne pouvait pas voir dans la réalité (par exemple, un ciel vermillon ou une peau verte). Une autre caractéristique des néo-impressionnistes était l'utilisation de symboles dans leurs œuvres pour provoquer une réaction émotionnelle chez le spectateur. Les peintures devinrent plus complexes en termes d'interprétation et de compréhension. Au XXe siècle, des artistes tels que Henri Matisse (1869-1954) et Pablo Picasso (1881-1973) poussèrent cette idée encore plus loin, de sorte que l'art ne consistait plus seulement à plier ou à briser les conventions établies, mais à les abandonner du tout au tout.
