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El impresionismo fue un movimiento artístico que comenzó en París en el último cuarto del siglo XIX. Los impresionistas trataron de captar los efectos momentáneos de la luz sobre los colores y las formas, pintando a menudo al aire libre. A menudo utilizaban colores brillantes con una aplicación gruesa para capturar paisajes y la vida cotidiana contemporánea en los cafés, el teatro y los bulevares de París.
El término "impresionismo"
El término "impresionismo" es una etiqueta útil pero ambigua, que puede aplicarse a un grupo de artistas de la década de 1860 que pintaban en Francia, especialmente en París. Fue acuñado por el crítico Louis Leroy tras ver una obra de Claude Monet (1840-1926) en la primera exposición impresionista de París en abril de 1874. El cuadro se titulaba Impresión, sol naciente y mostraba una vista del puerto industrial de Le Havre con un sol naranja intenso reflejado en aguas púrpuras. Leroy y otros críticos aplicaron entonces el término "impresionismo" a muchas de las obras expuestas, que tenían formas vagas y pinceladas muy evidentes.
Al principio, pues, el término "impresionismo" era despectivo y lo utilizaban algunos críticos de arte conservadores para ridiculizar este nuevo estilo artístico. Sin embargo, los artistas implicados (o la mayoría de ellos) pronto adoptaron el término para describirse a sí mismos y a sus exposiciones independientes, aunque nadie pudiera ponerse de acuerdo sobre el significado exacto del término. El "impresionismo" sigue siendo una etiqueta general útil, y sin duda capta lo esencial que estos artistas intentaban pintar, es decir, los efectos momentáneos de la luz y los colores, más que reproducciones precisas y fotográficas de la realidad (las fotografías se habían hecho populares a partir de la década de 1820). Trataban de crear una impresión de la realidad, o más exactamente, su impresión individual de la realidad que veían.
El término "impresionismo" tiene sus limitaciones. Los estudiosos del arte debaten mucho sobre cuándo, qué estilo y a quién puede aplicarse el término. Los artistas a los que se ha llamado impresionistas eran a menudo muy diferentes. Pintores como Pierre-Auguste Renoir (1841-1919), Edgar Degas (1834-1917), Edouard Manet (1832-83) y Gustave Caillebotte (1848-1896), por ejemplo, solían interesarse por la forma y la composición y por el uso de pinceladas poco visibles. Esto contrasta con los efectos brumosos producidos por artistas como Monet, Alfred Sisley (1839-1899), Camille Pissarro (1830-1903) y Paul Cézanne (1839-1906). Todos los artistas podían pintar a la manera tradicional, como demuestran sus primeras obras, pero algunos eran definitivamente más "impresionistas" que otros.
50 Impressionist Paintings that Changed Art Forever
Para complicar aún más el uso del término, el impresionismo también implicaba un nuevo enfoque de los colores utilizados y de los temas. Las paletas más brillantes que se utilizaban a menudo eran muy diferentes a las de la pintura tradicional pero, por otro lado, algunos artistas impresionistas utilizaban deliberadamente tonos más apagados. El uso de colores más puros era otra característica. Los impresionistas destacaron por su interés en captar la vida cotidiana, las clases más pobres y los paisajes, pero, de nuevo, no siempre fue así. Por último, un elemento importante del proceso de producción de un cuadro para muchos impresionistas era pintar el tema al aire libre (en plein air), ahora una posibilidad gracias a la invención de los tubos de lata portátiles con tapa de rosca que contenían pintura ya preparada (antes, los artistas tenían que moler sus propios pigmentos). Pero, de nuevo, algunos artistas prefirieron seguir trabajando solamente en sus estudios, e incluso los defensores acérrimos del en plein air siguieron dando los últimos retoques a sus lienzos en el estudio. En resumen, por "impresionismo" se entiende el arte producido desde la década de 1860 hasta finales del siglo XIX que desafió las convenciones de las bellas artes tradicionales, desafíos que diferentes artistas realizaron de diferentes maneras.
El estilo impresionista
Los elementos distintivos del estilo impresionista pueden resumirse de la siguiente manera:
- Interés por captar los efectos fugaces de la luz y el color en un tema concreto.
- Una gama de colores más brillante y amplia que la utilizada hasta entonces.
- Pinceladas evidentes de diversas formas como un efecto en sí mismo.
- Un encuadre innovador, que a menudo corta las figuras y la arquitectura bruscamente.
- Un tratamiento innovador de la perspectiva, a menudo tergiversando deliberadamente la realidad.
- Un enfoque de la vida cotidiana contemporánea y de las personas de todas las clases, en contraposición a los temas mitológicos y religiosos.
- Pintar al aire libre para captar mejor las condiciones de luz que cambian rápidamente.
No todas estas características pueden estar presentes en la misma obra de arte.
Como cualquier otro estilo artístico, el impresionismo no surgió de la nada. Los artistas impresionistas se inspiraron en algunos de sus predecesores en el campo de las bellas artes, como William Turner (1775-1851) por sus formas vagas, Eugène Delacroix (1798-1863) por su uso de colores brillantes y Gustave Courbet (1819-1877) por su aplicación inusualmente gruesa de la pintura.
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Los impresionistas amalgamaron estas diversas ideas en una sola técnica y también se inspiraron mutuamente, animando a los amigos del grupo a probar diferentes métodos, temas y paletas. A menudo, dos o más artistas trabajan juntos, incluso pintando la misma escena al mismo tiempo, como ocurrió en varias ocasiones con Renoir y Monet o Cézanne y Pissarro. La mayoría de los artistas también cambiaron de estilo a lo largo de su carrera. Pissarro hizo un intento de puntillismo (véase a continuación), Degas se interesó por las perspectivas alternativas, Caillebotte abandonó sus pinceladas suaves durante un tiempo, y la obra de Cézanne se volvió cada vez más abstracta y sus formas más geométricas a medida que envejecía. Monet se convirtió sin duda en el impresionista más famoso en vida, pero Cézanne comentó en una ocasión que Pissarro fue "el primer impresionista" (Shikes, 78). Es difícil afirmar quién inició el estilo impresionista, ya que en realidad se desarrolló en las obras de varios pintores al mismo tiempo. Además, hubo artistas fuera de Francia que experimentaron de forma similar con nuevos enfoques del arte.
Los impresionistas
Lo que hoy llamamos los primeros impresionistas era un grupo de artistas de vanguardia afines que frecuentaban los mismos cafés y restaurantes de París. Los nuevos miembros, incluidos los pintores no franceses, llegaban a través de las amistades y así el grupo fue creciendo con el tiempo. Muchos de los artistas también se desplazaron para encontrar nueva inspiración en lugares como el sur de Francia o Bretaña. El grupo incluía a dos mujeres artistas, Berthe Morisot (1841-1895) y Mary Cassatt (1844-1926), en una época en la que esta elección profesional era muy poco convencional.
La mayoría de los impresionistas habían estudiado arte en escuelas convencionales bajo la dirección de artistas respetados, pero rompieron con las reglas a las que sus tutores les habían dicho que se ciñeran. Decididos a exponer su obra innovadora fuera de la única salida para las bellas artes, el conservador Salón de París, organizaron las exposiciones impresionistas de París de 1874 a 1886. Estas exposiciones irritaron a una gran cantidad de críticos de arte y no generaron muchas ventas, pero al menos los impresionistas se hicieron notar. Algunos de los artistas, como Degas y Caillebotte, tenían ingresos independientes, pero otros como Monet y Renoir se veían obligados a ganar dinero con su arte o, literalmente, no tenían para comer (o pintar naturalezas muertas). Afortunadamente, los artistas más ricos solían ayudar a los más pobres: compraban sus cuadros y, en ocasiones, incluso pagaban sus alquileres. También hubo unos pocos coleccionistas como Victor Chocquet (1821-1891) y el Dr. Paul Gachet (1828-1909) que tuvieron la visión de que estas obras tenían un enorme valor cultural, si no en ese momento, al menos en algún momento del futuro. Y cuánta razón tenían. Una de las grandes ironías del arte impresionista es que los cuadros que hoy se venden por decenas de millones de dólares fueron creados a menudo por artistas que ni siquiera podían permitirse las pinturas y los lienzos para llevarlos a cabo.
Los neoimpresionistas
Al igual que los impresionistas desafiaron las convenciones del arte tradicional, también llegó una generación más joven de artistas que desafió las convenciones del impresionismo. En primer lugar, artistas como Georges Seurat (1859-1891) y Paul Signac (1863-1935) desarrollaron el puntillismo, en el que la pintura se aplicaba en pequeños puntos y según las teorías científicas de los espectros de color y los efectos de la luz. A partir de mediados de la década de 1880, artistas como Vincent van Gogh (1853-90) y Paul Gauguin (1848-1903) se volvieron aún más atrevidos en el uso de los colores. Utilizaban deliberadamente colores contrastados pero complementarios (por ejemplo, azul y amarillo o rojo y verde) y contornos negros llamativos para conseguir un efecto dramático. Utilizan los colores "equivocados" en los lugares "equivocados", mostrando deliberadamente al espectador lo que no puede ver en la realidad (por ejemplo, un cielo bermellón o una piel verde). Otra característica de los neoimpresionistas era el uso de símbolos en sus obras para provocar una reacción emocional en el espectador. Los cuadros se volvían más complejos en cuanto a su interpretación y comprensión. En el siglo XX, artistas como Henri Matisse (1869-1954) y Pablo Picasso (1881-1973) ampliarían aún más esta idea, de modo que el arte no se limitaba a doblar o romper las convenciones establecidas, sino que las abandonaba por completo.
