Retablos renacentistas

Durante el Renacimiento (1400-1600) casi todos los artistas de valor recibieron el encargo de realizar un retablo en algún momento de su carrera. Algunos de los más grandes nombres del arte europeo recibieron este encargo, desde Jan van Eyck hasta Tiziano. Diseñados para situarse detrás o sobre los altares de las iglesias, los retablos podían estar compuestos por paneles pintados, esculturas o ambos. Se diseñaban para asombrar a la congregación con imágenes impactantes de la historia bíblica, y algunas de estas obras eran tan espectaculares que se mantenían cerradas o incluso ocultas durante la mayor parte del año y solo se revelaban por completo en ocasiones muy especiales como la Pascua y la Navidad.

Función

Los retablos se diseñaban para desempeñar varias funciones y solían colocarse sobre el altar de la iglesia o en su parte posterior, la mesa consagrada que los sacerdotes utilizaban para colocar los objetos utilizados en un servicio concreto. Algunos se colocaban sobre el altar y otros se colocaban detrás, pero no había ningún requisito formal para ellos ni ninguna forma estándar. Muchas iglesias contaban con altares secundarios a los lados de la iglesia o en nichos, a los que a menudo también se les asignaban retablos. Los retablos del altar principal eran el centro de la misa o del servicio, y tenían como objetivo atraer la atención de los fieles hacia el centro de la actividad ritual, especialmente cuando el sacerdote estaba de espaldas a los fieles. Los retablos también podían recordar la dedicación del altar mediante una representación del santo correspondiente o una escena clave de la Biblia, y promovían la oración y la contemplación. Otras imágenes podían recordar quién había fundado el altar o un personaje importante enterrado cerca de la iglesia. Como las iglesias solían tener varios retablos, se utilizaban de forma rotativa y adaptaban su tema artístico al servicio.

Mientras que los retablos italianos solían ser fachadas monumentales con elementos arquitectónicos como columnas (véase el retablo del monasterio de San Zeno de Verona, de Andrea Mantegna, de 1456, por ejemplo), en el norte de Europa, sobre todo, los retablos plegables eran muy populares, ya que podían cerrarse con alas plegables a ambos lados. Esta disposición tenía dos funciones, la primera era que las imágenes principales se podían revelar al público de manera dramática; y la segunda era que el cierre de las alas ofrecía mayor protección a las finas obras de arte pintadas en el interior. Las amenazas para las pinturas al óleo y sus costosos pigmentos brillantes, especialmente, provenían de la luz del sol, el humo de las velas y los ambientes potencialmente húmedos. Es interesante observar el número relativamente alto de pequeños daños en los exteriores de los retablos en comparación con sus interiores, lo que sugiere que la mayoría de las veces se mantenían cerrados. Esta precaución se recoge en instrucciones específicas para las iglesias, como esta de Andreas Stoss, prior de la casa carmelita de Núremberg:

El retablo debe abrirse solo en las fiestas de la Natividad, Pascua, Pentecostés y los dos días siguientes, la Ascensión, la Trinidad, Todos los Santos, la Epifanía, el Corpus Christi, la Dedicación de la Iglesia del Convento y todas las fiestas de la Santísima Virgen María. El día de la fiesta se cerrará inmediatamente después de las segundas vísperas. Dos veces al año debe limpiarse. Y no debe haber grandes luces en el altar, a causa del humo, dos pequeñas velas de pared son suficientes y cualquier otra debe ser colocada lejos del altar.

(Nash, 229)

Los fieles ofrecían oraciones a los retablos, una acción que a veces se observa en otras obras de arte, sobre todo de gobernantes deseosos de mostrarse convenientemente piadosos. Un excelente ejemplo es una ilustración en pergamino de hacia 1502 que muestra a Jacobo IV de Escocia (que reinó de 1488 a 1513) arrodillado en oración ante un retablo que muestra el Salvator Mundi. Los fieles más humildes podían visitar una iglesia cuando no había servicio y rezar ante el retablo, que podía estar en una capilla lateral.

Los retablos y otras obras pintadas o escultóricas de una iglesia solían estar cubiertos durante la Cuaresma, otra ventaja para las versiones plegables. Algunas iglesias también cubrían sus retablos y solo los mostraban en días festivos u oficios específicos. Los retablos de varios paneles podían abrirse solo parcialmente para algunos oficios, por lo que rara vez se veían completamente abiertos. Solo en una ocasión muy especial, como un servicio de Navidad o Pascua, se colocaban todos los retablos de la iglesia alrededor del interior, descubiertos y abiertos por completo a la vez, lo que proporcionaba a los fieles un raro espectáculo visual de brillantes pigmentos al óleo y relucientes dorados, que contribuía al aire festivo de la ocasión. A veces, los retablos "ocultos" podían verse en privado previo pago de una cuota, algo que hizo Alberto Durero (1471-1528) en su gira por las iglesias de los Países Bajos en 1521.

Diseño y materiales

Los retablos podían adoptar varias formas y utilizar diversos materiales, aunque la madera dorada o el alabastro son los más comunes durante el periodo renacentista. Se podían utilizar diferentes tipos de madera, como la caliza, el roble, el pino y el nogal. Las esculturas de madera se recubrían con una capa de tiza y cola para que la siguiente capa, la pintura, no empapara la madera. Las zonas destinadas a ser doradas se pintaban primero con bole, un material rojo que hacía que el pan de oro pareciera más brillante. A continuación, se pulía el pan de oro o se pintaban pequeñas zonas y se marcaban para revelar el oro que había debajo. En los paneles pintados se utilizaba el temple o, más comúnmente en el norte de Europa, la pintura al óleo.

Los dípticos tienen dos paneles pintados o esculpidos (en altorrelieve o en redondo), y los trípticos tienen tres paneles con bisagras. El panel central de un tríptico suele ser más grande (aunque no siempre) y puede protegerse doblando el panel de cada lado delante de él. Durante el Renacimiento, fue muy popular la forma de políptico, es decir, un retablo con muchos más de tres paneles, a veces hasta 20. A veces los marcos de estos paneles son muy lisos, otras veces dorados y muy decorativos y, en otras ocasiones, incluso se hacen asemejar a elementos arquitectónicos de la propia iglesia. Los retablos pueden combinar la pintura y la escultura, a menudo con la primera en los paneles exteriores y cerrados, pero con la escultura en el espacio central.

Los paneles centrales suelen estar más ricamente decorados y mostrar una escena narrativa más compleja que los paneles exteriores. Cuando están cerrados, muchos retablos presentan solo dos paneles, y estos suelen tener pinturas que representan esculturas de piedra utilizando una gama limitada de colores, a menudo tonos de gris (una técnica conocida como grisalla).

Los retablos posteriores, sobre todo en Italia, podían estar compuestos únicamente por esculturas exentas. Estas figuras se solían diseñar para ser desplazadas durante determinados servicios, por lo que tenían ruedas e incluso miembros articulados. A medida que el Renacimiento se acercaba a su fin, una sola pintura de gran tamaño comenzó a sustituir la función de los retablos tridimensionales.

Los retablos más pequeños se hacían para las capillas privadas de los individuos ricos, y podían estar hechos de materiales preciosos como el marfil. Quizá el ejemplo más célebre de un retablo más pequeño destinado a un uso privado sea un tríptico de hacia 1425, el retablo de la Mérode, de Robert Campin. Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York. Mide 118 x 65 cm (46 x 25 pulgadas) y muestra la Anunciación mediante un interesante intento temprano de perspectiva espacial.

Objeto de la obra

Las pinturas o esculturas en relieve de un retablo suelen representar un tema específico. Con varios paneles, se podía contar una historia utilizando solo imágenes, como los acontecimientos clave de la vida de un santo. Los temas más comunes son la Anunciación, la Natividad, la Virgen María rodeada de santos, la Última Cena y la Crucifixión. También puede haber temas más oscuros, a menudo historias complejas que se prestan a una narración visual a través de muchos paneles. Un ejemplo de ello es la Profanación de la Hostia (c. 1468) de Paolo Ucello (1397-1475), de seis paneles, actualmente en la Galleria Nazionale delle Marche de Urbino. Los paneles cuentan la historia de una mujer que roba una hostia consagrada para pagar un préstamo a un prestamista judío. Las autoridades descubren este acto sacrílego y detienen a ambos. La mujer es ahorcada y el prestamista es quemado en la hoguera.

Los retablos de varios paneles daban cabida no solo a las figuras religiosas centrales, sino también a quienes quizá habían encargado la pieza o habían desempeñado un papel destacado en la fundación de la iglesia. Estos simples mortales podían ser representados en las alas a una distancia respetuosa de las figuras sagradas. A veces, incluso los propios artistas aparecen como una de las figuras de una escena menor.

Por último, aunque los retablos como género contenían ciertas restricciones en cuanto a lo que el comisionado, la iglesia y el público esperaban, los paneles pintados, en particular, ofrecían a los artistas del Renacimiento la oportunidad de expresar su talento y pasión por algunos de los temas que definen este periodo del arte. En consecuencia, podemos ver en muchos retablos escenas que celebran la forma y las proporciones del cuerpo humano capturan posturas dramáticas, juegan con la perspectiva, reinventan la iconografía tradicional y crean una fuerte respuesta emocional del público.

Obras maestras seleccionadas:

El retablo de San Wolfgang

El retablo mayor de la iglesia de San Wolfgang, en Salzkammergut (Austria), se terminó en 1481. Diseñado por Michael Pacher (1430-1498), está realizado en madera de pino y abeto, ricamente pintada y dorada. Es un excelente ejemplo de retablo en el que los paneles pintados de la parte delantera se abren a un gran conjunto de esculturas centrales. Tanto las pinturas como las esculturas están situadas en impresionantes escenas arquitectónicas. Cuando está abierto, el retablo mide 10,88 x 6,60 metros (unos 35 x 21 pies). Una técnica de Pacher consistía en utilizar el blanco para resaltar las figuras centrales tanto en sus paneles pintados como en los esculpidos.

Retablo de la Muerte de la Virgen, Cracovia

El retablo de 1489 de Veit Stoss en la Basílica de Santa María, Cracovia, Polonia, es un excelente ejemplo de lo monumental que podía llegar a ser la idea de los paneles de cierre. Las dos enormes puertas, cada una con tres grandes paneles pintados, pueden abrirse para revelar un conjunto de esculturas de figuras ricamente doradas. La obra tiene 13 metros de altura (más de 42 pies), y las figuras centrales miden 2,7 metros. Los paneles muestran escenas de la vida de María y Jesús, mientras que el grupo central de figuras muestra a María con los 12 Apóstoles.

Retablo de la Santa Sangre, Rothenburg

El retablo de la Santa Sangre de la iglesia de San Jacobo, en Rothenburg, Alemania, fue realizado por Tilman Riemenschneider (c. 1460-1531). Terminado en 1505 y muy ornamentado, está hecho de madera de cal vidriada, con apenas pequeños toques de color para detalles como los ojos, los labios y la sangre. Fue diseñado para mostrar la capilla que contenía una reliquia sagrada de la sangre de Jesucristo. El panel central muestra la Última Cena, el panel izquierdo la entrada en Jerusalén y el panel derecho una escena con Judas. El retablo estaba destinado a ser admirado desde ambos lados, ya que la parte trasera tiene ventanas de capilla ornamentadas que permitían iluminar las figuras del otro lado por detrás, compensando en cierto modo la falta de color y ayudando a distinguir las figuras cuando se ven desde lejos.

Retablo de San Zaccaria de Bellini

A Giovanni Bellini (c. 1430-1516) se le encargaron varios retablos en Venecia, pero el más célebre es el de la iglesia de San Zaccaria. Terminado hacia 1505, es una pieza curiosamente piadosa y tranquila que muestra el tema de la sacra conversazione, es decir, la Virgen y el Niño rodeados de santos y bienquerientes. Los paneles del altar tienen varios metros de altura y están enmarcados de forma muy elaborada, imitando los desarrollos arquitectónicos contemporáneos. Son obras mucho más grandes que las de los retablos del norte de Europa.

El panel central, de 5 metros de altura, tiene un fondo arquitectónico simétrico, curiosamente abierto en los laterales a un paisaje de árboles. El reducido número de figuras, en comparación con el tradicional en este tipo de escenas, y la disposición y actitud de las mismas, que miran hacia abajo, producen un efecto de calma. También hay pequeños trucos de perspectiva que parecen dar a las figuras más espacio para existir. Entre estas técnicas se encuentran las columnas detrás de las columnas, el suelo de damero y el techo abovedado. A pesar de la tranquilidad de la escena, Bellini no ha descuidado su amor por el color, como se aprecia en las vibrantes túnicas de color azul, rojo, amarillo y verde.

El retablo de Gante

El más famoso de todos los retablos del Renacimiento es La Adoración del Cordero Místico, más conocido como el Retablo de Gante. Su nombre popular deriva de su ubicación, la catedral de San Bavón en Gante, Bélgica. La obra fue creada en 1432 y suele atribuirse a Jan van Eyck (c. 1390-1441). Sin embargo, hay una inscripción que dice: "El pintor Hubert van Eyck, más grande que nadie, comenzó [esta obra]; y Jan, su hermano, segundo en el arte [llevó a cabo] la tarea". La autenticidad de esta inscripción, que en realidad es una transcripción del siglo XVI del (posible) original, ha sido cuestionada por algunos historiadores del arte y lingüistas. El debate aún no se ha resuelto en cuanto a quién lo pintó exactamente o qué partes.

El retablo está compuesto por 12 paneles enmarcados y pintados por ambas caras (óleo sobre roble). Una vez abierto, el retablo mide 5,2 x 3,75 metros. Originalmente estaba destinado a lo que entonces era la capilla del Vijd en la iglesia de San Juan Bautista, que ahora se ha convertido en la catedral de San Bavón. La obra fue encargada por Jodocus Vijd, y él aparece en el panel inferior izquierdo cuando la obra está cerrada; su esposa, Elizabeth Borluut, aparece en el panel inferior derecho. Los otros paneles del reverso o lado exterior muestran una escena de la Anunciación con dos profetas, los dos santos Juanes (magistralmente pintados para que parezcan esculturas), dos sibilas, el arcángel Gabriel y la Virgen María. Sin embargo, es el otro lado el que tiene los paneles de las estrellas.

El panel central interior inferior da nombre a la obra y muestra una multitud adorando a un cordero, símbolo de Jesucristo y su sacrificio en la crucifixión, La adoración del cordero de Dios por los elegidos. Los paneles superiores muestran a Dios entronizado entre la Virgen y San Juan Bautista, y varios ángeles. Los paneles del ala izquierda muestran a un Adán desnudo, ángeles cantores y caballeros, mientras que en el ala opuesta aparecen Eva, organistas y santos ermitaños y peregrinos. El tema general parece ser la redención de la humanidad.

Las figuras de las escenas, a menudo complejas, adquieren un aspecto tridimensional realista mediante efectos de color y sombreado. Las figuras están dotadas de detalles hiperrealistas, como la evidente ansiedad de Adán en el panel del extremo izquierdo. Todas las escenas se han coloreado como si fueran joyas y se han simulado láminas de oro que habrían hecho brillar las escenas en el oscuro hueco del altar de la iglesia.

El retablo ha sido amenazado muchas veces, desde los extremistas calvinistas del siglo XVI hasta las tropas alemanas del siglo XX. Robado durante la Segunda Guerra Mundial, el retablo fue rescatado de su escondite en una mina de sal austriaca. En la década de 1940, fue la primera obra de arte del Renacimiento que se sometió a un detallado análisis científico. Hoy vuelve a estar en la catedral de San Bavón, pero no en su posición original. La milagrosa supervivencia del retablo de Gante y de muchos otros como él es, quizás, sobre todo, un testimonio de su valor artístico, apreciado no solo por los fieles y los amantes del arte, sino también por los reformistas y los saqueadores.