印象派是19世纪末起源于巴黎的一个艺术流派。印象派画家试图捕捉光线在色彩和形态上的瞬间效果，常常在户外作画。他们频繁使用鲜艳的色彩和厚重的笔触，描绘风景以及巴黎咖啡馆、剧院和林荫大道上的当代日常生活场景。
“印象派”一词
“印象主义”这一术语虽适用，却是一个含义模糊的标签，可用于指代19世纪60年代在法国（尤其是巴黎）进行创作的一批艺术家。该词由评论家路易·勒罗伊创造，他在1874年4月于巴黎首届印象派展览上看到克劳德·莫奈（1840—1926）的一幅作品后提出了这一说法。那幅画名为《印象·日出》，描绘的是勒阿弗尔工业港口的景色，画面中一轮炽热的橙色太阳倒映在紫色的水面上。勒鲁瓦及其他评论家随后将“印象主义”一词用于形容展出的许多作品，这些作品具有模糊的形态和极为明显的笔触。
那么，最初“印象主义”一词是某些保守派艺术评论家用来嘲讽这种新艺术风格的贬义词。然而，参与其中的艺术家们（或者说他们中的大多数人）很快就采纳了这个词来描述他们自己及其独立展览，尽管没有人能完全就这个词的确切含义达成一致。“印象主义”至今仍是一个适配的总称，它确实抓住了这些艺术家试图描绘的核心内容，即光与色的瞬间效果，而非对现实进行精确的、照片式的再现（摄影术自19世纪20年代起已开始流行）。他们试图创造一种对现实的印象，或者更准确地说，是他们各自对所见的现实产生的个人印象。
“印象派”这个术语确实存在一定的局限性。关于该术语适用的具体时间、风格以及适用对象，艺术学者们存在诸多争议。被称为印象派画家的这些艺术家们往往各不相同。例如，皮埃尔-奥古斯特·雷诺阿（1841 - 1919）、埃德加·德加（1834 - 1917）、爱德华·马奈（1832 - 1883）和古斯塔夫·卡埃博特（1848 - 1896）等画家往往更注重形式和构图，并且倾向于使用不太明显的笔触。这与莫奈、阿尔弗雷德·西斯莱（1839 - 1899）、卡米尔·皮萨罗（1830 - 1903）和保罗·塞尚（1839 - 1906）等艺术家所营造的朦胧效果形成了鲜明对比。所有这些艺术家都可以按照传统方式进行创作，从他们早期的作品中就可以看出这一点，但有些画家无疑比其他画家更具“印象派”风格。
50 Impressionist Paintings that Changed Art Forever
进一步加剧了这一术语使用上的复杂性的是，印象派还涉及对所使用色彩以及描绘对象的新方法。所常用的色彩调子往往与传统绘画大不相同，但另一方面，一些印象派画家却有意采用更为柔和的色调。更纯粹的色彩运用也是其特点之一。印象派画家以其对捕捉日常生活、描绘贫困阶层以及描绘风景的兴趣而著称，但这种情况并非总是如此。最后，对于许多印象派画家来说，创作一幅画作的重要环节之一是在户外（即“户外作画”）进行绘画，这得益于便携式装有带螺帽的预调好的颜料的锡管的发明（此前，艺术家们必须自己研磨颜料）。但同样，有些画家更倾向于只在工作室里继续创作，而即便是那些坚定的户外作画支持者，也仍然在工作室里为他们的画作添加最后的润色。简而言之，“印象派”一词如今指的是 19 世纪 60 年代至 19 世纪末期间创作的艺术作品，这些作品挑战了传统美术的常规规范，而这种挑战是由不同的艺术家以各自独特的方式完成的。
印象派风格
印象派风格的鲜明元素可概括如下：
- 注重捕捉光线和色彩在特定对象上转瞬即逝的效果。
- 使用比以往更明亮、更丰富的色彩范围。
- 使用各种形状的明显笔触，并将其本身作为一种表现效果。
- 对主题进行创新性的取景构图，常突然截断人物和建筑。
- 对透视法进行创新处理，常有意歪曲现实。
- 关注当代日常生活和各个阶层的人物，而非神话题材和宗教主题。
- 在户外作画，以更好地捕捉快速变化的光线条件。
并非所有这些特征都会出现在同一件艺术作品中。
如同其他任何艺术风格一样，印象派并非凭空产生。印象派画家从某些前辈美术家那里获得了灵感，例如威廉·透纳（1775—1851）的模糊形态、欧仁·德拉克洛瓦（1798—1863）对明亮色彩的使用，以及古斯塔夫·库尔贝（1819—1877）异常厚重的颜料涂抹方式。
印象派画家们将这些不同的理念融合于一种技法之中，并且也相互启发，鼓励团体中的朋友们尝试不同的方法、题材和色调。经常会有两位或更多艺术家一起创作的时期，甚至同时描绘同一处景物，正如雷诺阿与莫奈、或塞尚与毕沙罗之间曾多次发生的那样。他们中的大多数人在整个职业生涯中也不断改变着自己的风格。毕沙罗曾尝试过点彩画法（见下文），德加对另类视角产生了兴趣，卡耶博特曾一度放弃了他那平滑的笔触，而塞尚的作品则随着年龄增长变得愈发抽象，其形体也更具几何感。莫奈无疑是在世时最为知名的印象派画家，但塞尚曾评论说，毕沙罗才是“第一位印象派画家”（参见希克斯，第78页）。因此，很难说究竟是谁开创了印象派风格，因为事实上，它是在几位画家的作品中同时演进形成的。此外，当然也有法国以外的艺术家在进行类似的艺术新方法探索。
印象派画家
我们现在所称的第一代印象派画家，是一群志同道合的前卫艺术家，他们常光顾巴黎的同一批咖啡馆和餐馆。新成员（包括非法国籍画家）通过朋友关系加入，因此这个群体随着时间的推移不断壮大。许多艺术家也四处游历，在法国南部或布列塔尼等地寻找新的灵感。这个群体包括了两位女性艺术家——贝尔特·莫里索（1841-1895）和玛丽·卡萨特（1844-1926），而在当时，选择这样一条职业道路是极为非传统的。
大多数印象派画家都曾在正规学校里跟随受人尊敬的艺术家学习过艺术，但他们打破了导师们告诫他们要恪守的圭臬。他们决心让自己的创新作品在唯一的艺术展示渠道——保守的巴黎沙龙——之外展出，于是他们在1874年至1886年间组织了巴黎印象派展览。这些展览激怒了不少艺术评论家，也没有带来多少销量，但至少印象派画家们引起了人们的关注。像德加和卡耶博特这样的艺术家有独立收入，但像莫奈和雷诺阿这样的画家则不得不靠艺术赚钱，否则就真的没有饭吃（也没有颜料来画静物画）。幸运的是，较为富裕的艺术家经常帮助较贫穷的同仁，购买他们的画作，甚至有时替他们付房租。此外，也有少数收藏家，如维克多·肖凯（1821—1891）和保罗·加歇医生（1828—1909），他们有远见，认识到这些作品具有巨大的文化价值——即便不是在当时，至少也是在未来的某个时刻。而他们果然没有看错。印象派艺术的一大讽刺之处在于，如今以数千万美元售出的画作，往往是由那些连买颜料和画布来实现自己艺术构想都负担不起的画家创作出来的。
新印象派画家
正如印象派艺术家挑战了传统艺术的规范一样，新一代艺术家也出现了，他们挑战了印象派的艺术规范。首先，像乔治·塞尚（1859 - 1891）和保罗·西尼亚克（1863 - 1935）这样的艺术家发展出了点彩派风格，他们在绘画中使用小点，并依据色彩光谱和光线效果的科学理论进行创作。随后，从 19 世纪 80 年代中期开始，像文森特·梵高（1853 - 90）和保罗·高更（1848 - 1903）这样的艺术家在色彩的运用上变得更加大胆。他们有意使用对比但互补的颜色（例如蓝色和黄色或红色和绿色），并用大胆的黑色轮廓来营造戏剧效果。他们在“错误”的地方使用“错误”的颜色，故意向观者展示他们所无法在现实中看到的东西（例如朱红色的天空或绿色的皮肤）。新印象派的另一个特点是他们在作品中使用象征符号，以引发观者的感情反应。绘画在如何被解读和理解方面变得越来越复杂。到了 20 世纪，这一理念更是被诸如亨利·马蒂斯（1869 - 1954 年）和巴勃罗·毕加索（1881 - 1973 年）等艺术家进一步拓展。他们使得艺术不再仅仅是对既定规则的曲解或打破，而是完全摒弃了这些规则。
