Sculpture Grecque Antique

La sculpture grecque antique de 800 à 300 avant notre ère s'inspira de l'art monumental égyptien et du Proche-Orient et évolua vers une vision typiquement grecque de cette forme artistique. Les artistes grecs capturèrent la forme humaine d'une manière inédite où les sculpteurs étaient particulièrement préoccupés par les proportions, l'équilibre et la perfection idéalisée du corps humain.

Les figures sculpturales grecques en pierre et en bronze font désormais partie des œuvres d'art les plus reconnaissables jamais produites par une civilisation et la vision artistique grecque de la forme humaine fut copiée dans l'Antiquité et l'est depuis lors.

Influences et évolution

À partir du VIIIe siècle avant notre ère, la Grèce archaïque connut une augmentation de la production de petites figures solides en argile, en ivoire et en bronze. Il ne fait aucun doute que le bois était également un matériau couramment utilisé, mais sa sensibilité à l'érosion signifie que peu d'exemples ont survécu. Des figures en bronze, des têtes humaines et, souvent, des griffons étaient utilisés comme attaches pour des récipients en bronze tels que des chaudrons. En termes de style, les figures humaines ressemblent à celles des poteries géométriques contemporaines, avec des membres allongés et un torse triangulaire. Des figurines animales furent également produites en grand nombre, en particulier le cheval, et nombre d'entre elles ont été découvertes à travers la Grèce sur des sites sanctuaires tels qu'Olympie et Delphes, ce qui indique leur fonction courante en tant qu'offrandes votives.

Les plus anciennes sculptures grecques en pierre (en calcaire) datent du milieu du VIIe siècle avant notre ère et ont été découvertes à Théra. À cette époque, les figures autoportantes en bronze avec leur propre base devinrent plus courantes et les artistes s'essayèrent à des sujets plus ambitieux tels que des guerriers, des chars et des musiciens. La sculpture en marbre apparut au début du VIe siècle avant notre ère et les premières statues monumentales grandeur nature commencèrent à être produites. Celles-ci avaient une fonction commémorative, soit offertes dans des sanctuaires pour servir les dieux de façon symbolique, soit utilisées comme pierres tombales.

Les premières grandes figures de pierre (kouroi - jeunes hommes nus et kore - figures féminines vêtues) étaient figées, rigides, comme l'étaient les statues monumentales égyptiennes avec les bras tendus sur les côtés, les pieds presque joints et les yeux regardant fixement devant eux sans aucune expression faciale particulière. Ces figures plutôt statiques évoluèrent lentement et avec de plus en plus de détails ajoutés aux cheveux et aux muscles, les figures commencèrent à prendre vie.

Peu à peu, les bras se plièrent légèrement, ce qui leur donna une certaine tension musculaire, et une jambe (généralement la droite) était placée légèrement plus en avant, donnant une sensation de mouvement dynamique à la statue. Le kouroi d'Argos, dédié à Delphes (c. 580 av. J.-C.), est un excellent exemple de ce style de figure. Vers 480 av. J.-C., le dernier kouroi était encore plus réaliste: le poids porté sur la jambe gauche, la hanche droite plus basse, les fesses et les épaules plus détendues, la tête moins rigide et avec un léger sourire. Le kore féminin suivit une évolution similaire, en particulier dans la sculpture de leurs vêtements qui furent rendus de manière toujours plus réaliste et complexe. Une proportion plus naturelle de la figure fut également établie où la tête devint 1:7 du corps, quelle qu'ait été la taille réelle de la statue. En 500 av. J.-C., les sculpteurs grecs finirent par se démarquer des règles rigides de l'art conceptuel archaïque et commencèrent à reproduire ce qu'ils observaient réellement dans la vie réelle.

À l'époque classique, les sculpteurs grecs choisirent de rompre les chaînes des conventions et réaliser ce que personne d'autre n'avait jamais tenté auparavant. Ils créèrent des sculptures grandeur nature et réalistes qui glorifiaient la forme humaine et en particulier la forme masculine nue. Mais il y avait encore plus que cela. Le marbre s'avéra être un excellent moyen de rendre ce que tous les sculpteurs recherchent : donner l'impression que la pièce est sculptée de l'intérieur plutôt que ciselée de l'extérieur. Les figures deviennent sensuelles et semblent figées dans l'action ; il semble qu'il y a seulement une seconde, elles étaient réellement vivantes. Les visages sont plus expressifs et les figures entières reflètent un état d'âme particulier. Les vêtements deviennent eux aussi plus subtils dans leur rendu et s'accrochent aux contours du corps dans ce qui a été décrit comme «soufflé par le vent» ou «mouillé». Tout simplement, les sculptures ne semblaient plus être des sculptures mais des figures pleines de vie et de verve.

Matériaux et méthodes

Pour voir comment un tel réalisme fut atteint, nous devons revenir au début et examiner de plus près les matériaux et les outils dont l'artiste disposait et les techniques employées pour transformer les matières premières en art.

La sculpture grecque ancienne était le plus souvent en bronze et en calcaire poreux, mais si le bronze ne semble jamais être passé de mode, la pierre de choix deviendrait le marbre. Le meilleur venait de Naxos - à grain serré et étincelant, ou de Paros - avec un grain plus rugueux et plus translucide, et de près d'Athènes (marbre de Pentélique) - plus opaque et qui prenait une douce couleur miel avec le temps (en raison de sa teneur en fer). Cependant, la pierre était choisie pour sa maniabilité plutôt que pour sa décoration, car la majorité des sculptures grecques n'étaient pas polies mais peintes, souvent de façon assez criarde pour nos goûts d'aujourd'hui.

Le marbre était extrait à l'aide de forets à archet et de cales en bois trempées dans l'eau pour briser des blocs exploitables. En général, les plus grandes figures n'étaient pas fabriquées à partir d'une seule pièce de marbre, mais des ajouts importants tels que des bras étaient sculptés séparément et fixés au corps principal à l'aide de chevilles. À l'aide d'outils en fer, le sculpteur travaillait le bloc dans toutes les directions (peut-être en regardant un modèle à petite échelle pour déterminer les proportions), en utilisant d'abord un outil pointu pour enlever des morceaux de marbre plus importants. Ensuite, une combinaison d'un ciseau à cinq griffes, de ciseaux plats de différentes tailles et de petites perceuses à main était utilisée pour sculpter les détails fins. La surface de la pierre était ensuite finie avec une poudre abrasive (généralement de l'émeri de Naxos) mais rarement polie. La statue était ensuite fixée à un socle à l'aide d'un luminaire en plomb ou parfois placée sur une seule colonne (par exemple le sphinx naxien de Delphes, vers 560 av. J.-C.). La touche finale des statues était donnée par l'ajout de peinture. La peau, les cheveux, les sourcils, les lèvres et les motifs sur les vêtements étaient peints de couleurs vives. Les yeux étaient souvent incrustés d'os, de cristal ou de verre. Enfin, des ajouts en bronze pouvaient être adjoints tels que des lances, des épées, des casques, des bijoux et des diadèmes, et certaines statues avaient même un petit disque de bronze (meniskoi) suspendu au-dessus de la tête pour empêcher les oiseaux de dégrader la figure.

L'autre matériau de prédilection de la sculpture grecque était le bronze. Malheureusement, ce matériau a toujours été en demande pour être réutilisé plus tard, alors que le marbre brisé n'est d'aucune utilité pour personne, et la sculpture sur marbre a donc mieux survécu pour la postérité. Par conséquent, le petit nombre d'exemples survivants de sculptures en bronze (pas plus de douze) n'est aucunement une preuve que plus de sculptures en marbre furent produites et la qualité des quelques bronzes survivants démontre l'excellence que nous avons perdue. Très souvent, sur les sites archéologiques, nous pouvons voir des rangées de socles en pierre nue, témoins silencieux de cette perte.

Les premières sculptures en bronze massif firent place à des pièces plus grandes avec un intérieur non en bronze qui était parfois retiré pour ne laisser qu'une figure creuse. La production la plus courante de statues en bronze utilisait la technique de la cire perdue. Cela impliquait de créer un intérieur presque de la taille de la figure souhaitée (ou de la partie du corps si ce n'est pas pour créer une figure entière) qui était ensuite enduit de cire et les détails étaient sculptés. Le tout était ensuite recouvert d'argile fixée en certains points à l'aide de tiges. La cire était ensuite fondue et du bronze fondu était versé dans l'espace autrefois occupé par la cire. Une fois prise, l'argile était retirée et la surface était finie par grattage, gravure fine et polissage. Parfois, des ajouts de cuivre ou d'argent étaient utilisés pour les lèvres, les mamelons et les dents. Les yeux étaient incrustés comme dans la sculpture en marbre.

Sculpteurs

De nombreuses statues sont signées afin que nous connaissions les noms des artistes les plus célèbres qui connurent la célèbrité au cours de leur vie. Pour n'en citer que quelques-uns, nous pouvons commencer par le plus célèbre de tous, Phidias, l'artiste qui créa les gigantesques statues chryséléphantines d'Athéna (c. 438 av. J.-C.) et de Zeus (c. 456 av. J.-C.) qui résidaient respectivement dans le Parthénon d'Athènes et le temple de Zeus à Olympie. Cette sculpture était considérée comme l'une des sept merveilles du monde antique. Polyclète, qui en plus de créer de grandes sculptures telles que le Doryphore (porte-lance), écrivit également écrit un traité, le Canon, sur les techniques de sculpture où il souligna l'importance de la juste proportion. Parmi les autres sculpteurs importants, citons Crésilas, qui réalisa le portrait très copié de Périclès (vers 425 av. J.-C.), Praxitèle, dont Aphrodite (vers 340 av. J.-C.) fut le premier nu féminin complet, et Callimaque, connu pour'avoir créé la capitale corinthienne et dont les remarquables figures dansantes furent largement copiées à l'époque romaine.

Les sculpteurs trouvaient souvent un emploi permanent dans les grands sanctuaires et l'archéologie a révélé l'atelier de Phidias à Olympie. Divers moules en argile brisée ont été découverts dans l'atelier ainsi que la tasse en argile personnelle du maître, portant l'inscription « J'appartiens à Phidias ». Une autre caractéristique des sites sanctuaires était les nettoyeurs et les polisseurs qui entretenaient la couleur laiton rougeâtre brillant des figures en bronze, les Grecs n'appréciant pas la patine vert foncé qui résulte des intempéries (et que les statues qui ont survécu ont acquis).

Les chefs-d'œuvre

La sculpture grecque ne se limite toutefois pas aux figures sur pied. Les bustes, les reliefs, les monuments funéraires et les objets en pierre tels que les perirrhanteria (bassins soutenus par trois ou quatre figures féminines sur pied) mirent également à l'épreuve les compétences du sculpteur grec. Une autre branche importante de cette forme d'art était la sculpture architecturale, répandue à partir de la fin du VIe siècle avant notre ère sur les frontons, les frises et les métopes des temples et des bâtiments du trésor. Cependant, c'est dans la sculpture figurative que l'on peut trouver certains des grands chefs-d'œuvre de l'Antiquité classique, et la preuve de leur rang et de leur popularité est que des copies furent très souvent réalisées, en particulier à l'époque romaine. En effet, il est heureux que les Romains aient aimé la sculpture grecque et l'aient autant copiée car ce sont souvent ces copies qui survivent plutôt que les originaux grecs. Les copies, cependant, présentent leurs propres problèmes car elles n'ont évidemment pas la touche originale du maître, peuvent passer du bronze au marbre, et même mélanger des parties du corps, en particulier des têtes.

Bien que les mots rendent rarement justice aux arts visuels, nous pouvons énumérer ici quelques exemples de certaines des pièces les plus célèbres de la sculpture grecque. En bronze, trois pièces se distinguent, toutes sauvées de la mer (un meilleur gardien des bronzes fins que les humains ne l'ont été) : le Dieu de l'Artémision et les deux guerriers de Riace (tous trois : 460-450 av. J.-C.). Le premier pourrait être Zeus (la posture est plus courante pour cette divinité) ou Poséidon et constitue une pièce de transition entre l'art archaïque et classique car la figure est extrêmement réaliste, mais en fait, les proportions ne sont pas exactes (par exemple, les membres sont allongés). Cependant, comme Boardman le décrit avec éloquence, « (il) parvient à être à la fois vigoureusement menaçant et statique dans son équilibre parfait » ; le spectateur ne doute pas une seconde qu'il s'agit là d'un grand dieu. Les guerriers de Riace sont également magnifiques avec les détails supplémentaires de cheveux et de barbes finement sculptés. De style plus classique, ils sont parfaitement proportionnés et leur équilibre est rendu de manière à suggérer qu'ils pourraient très bien sortir de leur socle à tout moment.

En ce qui concerne le marbre, deux pièces remarquables sont le Discobole, attribué à Myron (environ 450 av. J.-C.), et la Victoire de Paionios à Olympie (vers 420 av. J.-C.). Le Discobole est l'une des statues les plus copiées de l'Antiquité et il suggère de puissants mouvements musculaires capturés en une fraction de seconde, comme sur une photo. La pièce est également intéressante car elle est sculptée de telle manière comme si elle était vue d'un angle unique (comme une sculpture en relief dont le fond aurait été retiré). La Victoire est un excellent exemple d' « effet mouillé » où la matière légère du vêtement est pressée contre les contours du corps, et la silhouette semble semi-suspendue dans les airs, ayant à peine posé ses orteils sur le socle.

Conclusion

La sculpture grecque se libéra des conventions artistiques qui régnaient depuis des siècles dans de nombreuses civilisations et, au lieu de reproduire des figures selon une formule prescrite, elle devint libre de poursuivre la forme idéalisée du corps humain. Des matériaux durs et sans vie furent transformés comme par magie en qualités intangibles telles que l'équilibre, l'humeur et la grâce pour créer certains des grands chefs-d'œuvre de l'art mondial et inspirer et influencer les artistes qui suivraient à l'époque hellénistique et romaine qui produiraient d'autres chefs-d'œuvre tels que le Vénus de Milo. De plus, la perfection des proportions du corps humain atteinte par les sculpteurs grecs continue d'inspirer les artistes encore aujourd'hui. Les grandes œuvres grecques sont même consultées par des artistes 3D pour créer des images virtuelles précises et par des instances dirigeantes sportives qui ont comparé le corps des athlètes à la sculpture grecque pour vérifier le développement musculaire anormal obtenu grâce à l'utilisation de substances interdites telles que les stéroïdes.